Hace algunas semanas, un amigo me regaló el disco de un cantautor canario, Luis Quintana, que decía me iba a gustar. Y al poco de escuchar la primera canción supe que la voz de ese chico descarado, socarrón, atrevido, y a veces romántico iba a hacer mella en mí. Tanto fue así que al poco tiempo ya me había empapado muchas sus canciones. Esta semana me llevaba la sorpresa de que el viernes 8 de agosto actuaría en la terraza El Monje de Las Palmas de Gran Canaria, por lo que anoche, el plan comenzaba allí. Escuchamos algunas canciones, que al menos yo no había escuchado antes, y ciertamente, en directo gana aún más que en el disco. Cuenta historias cotidianas desde un punto de vista optimista y simpaticón. Yo lo he conocido un poco tarde, porque ya tiene tres discos editados y lleva diez años entregándose a la música. De hecho su último disco destaca como uno de los mejores discos hechos en Canarias en 2007, y se ha clasificado en un certamen de cantautores a nivel nacional, quedando como uno de los tres mejores de este año 2008. No, no, lo conozco ni voy ganar comisión por hablar de él, pero me gustaría compartirlo con ustedes, porque sinceramente considero merece mención. Aunque ya es bastante conocido porque a raíz de decir yo, que lo iba a ver o lo había visto me dijeron algunos colegas “cooño este tío le encanta a Kino,” o “ah si, mi hermana lo vió en Granada, hace seis años, es bueno” o “si, sí, yo lo ví en Madrid” ¡Oiga, ya me lo podrían haber dicho antes! Este hombre actúa con frecuencia, y en youtube hay muchos videos suyos, en el título de esta entrada les dejo el link a su myspace, que cuenta con la lista de actuaciones próximas. Y me despido con tres videos de sus canciones, la primera me quede con las ganas de escucharla anoche, porque no la tocó, y las otras dos las elijo porque me gustan, como me gustan muchas otras. Gracias Aythami. Un saludo y que pasen un buen final de fin de semana.
Como parte de la celebración del Día Internacional de la Música en este blog, me gustaría compartir con ustedes el corto de animación llamado “La batalla de las portadas”, una magnífica creación de "Ugly Pictures" en la que aparecen multitud de carátulas de discos de una importancia considerable en la Historia de la Música.
El 21 de Junio es el día más largo del año, cuando se produce el solsticio de verano en el hemisferio norte y el de invierno en el sur. Sin embargo no hablaría de él de no ser porque es además, desde 1982 el día internacional de la música.
Esta la razón por la que, tras haber participado en un día del libro, y haber elegido una película favorita y una que menos nos gustaba, he pensado que podríamos celebrar en el Arca de Sofía esta fiesta internacional recomendándonos algún autor, grupo, disco o canción que consideremos imprescindible.
Roberto Samper: En mi caso, debido a la reciente diversificación de estilos que se ha producido en mi gusto, voy a recomendar unas cuantas canciones por las que en conjunto me siento identificado. Lo cierto es que pensaba en un top ten al estilo de los que hacía en mi antiguo journal, pero pensé que era difícil seleccionar tan sólo 10 y por tanto, a pesar de que quedaron muchas que considero imprescindibles, elegí 12 temas, todos representativos de mi gusto.
- Carry On de Manowar Para empezar nada mejor que mi grupo favorito destacando que hay que seguir adelante, siempre me gustó, pero ahora más que nunca cobra significado. - Un di Felice Eterea parte de la Traviata de Verdi Mi fragmento favorito de mi ópera predilecta. Mi abuelo también destacaba esta parte y solía mandarme a callar a partir del "Adío" para disfrutar de los coros en un silencio total. Su cara de extasis es uno de los mejores recuerdos musicales que tengo. - A Symphony of Steele Virgin Steele Este tema de Virgin Steele es de mis favoritos, sobre todo por ese grito "Remember my Name!" al que rara vez consigo evitar unirme. - Hotel California de The Eagles Este es una de mis favoritas actuaciones en vivo de todos los tiempos. Simplemente Geniales. - Wasted Years de Iron Maiden He tenido la suerte de ver a Iron Maiden dos veces en concierto y ambas he disfrutado de magníficas actuaciones. En este video sin embargo, al ser requeridos para un playback decidieron protestar de un modo humorístico. - O son do Ar Luar Na Lubre Representativa de mi gusto por la música celta, esta composición encierra muchos buenos recuerdos. - Ram it down de Judas Priest Quizás mi solo de guitarra favorito sea el de esta canción, mi favorita de este grupo inglés. - Sultans of Swing de Dire Straits Pensando en Inglaterra es inevitable para mí acabar nombrando este tema del genial grupo "En situación desesperada". La guitarra de Knopfler parece tener personalidad propia. - I still got the blues for you de Gary Moore Otro genio de las seis cuerdas que para mí evoca el tiempo que trabajé en Mail Boxes Etc. La expresividad de Gary Moore en este tema no tiene límites. - Concierto para piano número 21 – II movimiento. Andante de Mozart En estos últimos tiempos, para relajarme mientras estudiaba las oposiciones, he oído mucho Mozart y en concreto esta pieza se ha convertido en una de mis favoritas, que bien puede ejemplificar mi afición por la música clásica. - Heavy Metal Universe Gamma Ray Este tema tiene un embrujo que hace que mientras más lo oigo más me guste. En Inglaterra lo oía casi cada vez que me sentaba a escuchar música variada. - Don’t Stop me Now de Queen Algo así pienso al darme cuenta de que ya he nombrado doce canciones y debo terminar. Eso sí Queen no podía faltar.
¿Qué canciones, grupos o estilos recomiendan ustedes?
Los 60 fueron años decisivos en la historia de la música. Si en los 50 habían aparecido los primeros rockers en Estados Unidos (Elvis, Little Richard, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Buddy Holly, etc), los 60 eran los años de la psicodelia, el swingin London y la invasión británica, con los Beatles a la cabeza y a los que siguieron un montón de grupos y solistas (los Rolling Stones, Tom Jones, Eric Clapton ,David Bowie, Elton John, Donovan, los Who, Pink Floyd, Los Kinks, etc)y en los soleados Estados Unidos de América empezaron a brotar la respuesta made in Usa, respuestas como Jimi Hendrix, los beach boys Bob Dylan, Janis Joplin o los que hoy nos ocupan, the Doors con Jim Morrison a la cabeza.
James Douglas Morrison es una de las mejores cosas que le han pasado a la historia de la música. De sangre India Cherokee, nació en California en 1943 y desde muy pequeño sintió la llamada de la selva y se hizo un nómada moderno en el estado de California. Recorría ciudad a ciudad dando tumbos, fumando porros de marihuana y escribiendo poemas del estilo renacentista francés. Un buen día recalo en una escuela de cine, estuvo estudiando durante un corto periodo de tiempo e hizo un par de cortos bastante estrambóticos, y dejado la misma cansado de que la gente no comprendiera el mensaje oculto de sus cortos. Un día, andando por la playa después del correspondiente chute, se encontró con su compañero de escuela Ray Manzarek, le leyó un poemas que había escrito, los canto en forma de canción y Manzarek quedó gratamente sorprendido. Le comentó que tenía un par de colegas con los que estaba intentando montar una banda y le ofreció unirse a la misma como cantante y compositor. Como Jim no tenía otro sitio a donde ir ni otra ocupación que realizar, aceptó y propuso como nombre del grupo The Doors, tomado del nombre de un libro de Aldous Huxley titulado “las puertas de la percepción”, acerca la percepción mental sobre el mundo de las drogas.
De ahí al estrellato. Las oscuras letras de Morrison, el genio al teclado de Manzarek, La guitarra prodigiosa de Robby Krieger y la batería de John Densmore. Todo ello formaba un cocktail psicodélico y efervescente, pero sobre todo The Doors eran Jim Morrison. Ya desde la primera portada de su primer disco, titulada simplemente The Doors, se anunciaba quien era el alma y el espíritu del grupo, con el rostro entre tinieblas de Morrison, desafiante y turbador, con la mirada perdida y el gesto turbio. El rey lagarto le llamaron. El poeta oscuro llegó a ser. Subía al escenario y empezaba su propio show, el show de un poeta cantante que parecía que cantaba, sino que hablaba, pero su voz era como la de un encantador de serpientes que hipnotizaba a todo su publico. Su exagerado consumo de drogas y alcohol le fueron poco a poco llevando a la tumba, y su muerte fue en 1971, con solo 28 años. Otro héroe que se nos fue demasiado pronto. Fue enterrado en Francia, junto a sus ídolos, los poetas renacentistas.
El legado de Jim Morrison y The Doors es algo realmente valioso para la música pop-rock contemporánea. Mezclaron varios estilos y corrientes, desde el rock al blues, desde el jazz al flamenco, en multitud de canciones míticas como Break on Through (to the other side), Light my fire, Strange Days, Riders on the Storm, L.A. woman, People are strange o The end (quien no recuerda ese principio del Film “Apocalypse Now”, con ese Martin Sheen haciendo gestos de kárate bajo un mareante ventilador a los acordes de esta canción). Pero sobre todo The Doors eran Jim Morrison, una de las personalidades más únicas y singulares de la historia de la música. Todo en el fue excesivo, vivió tan rápido como pudo y murió siendo un bonito cadáver. Pero sobre todo nos dejo un legado de canciones y oscuras y enigmáticas letras de poeta renacentista. En la película “The Doors” de Oliver Stone, una biografía algo exagerada de Morrison y compañía, pero sin duda atrayente y magnífica, Val Kilmer realizaba una interpretación excelente del mítico Morrison, cantando él mismo las canciones de Morrison e imitando su voz de una manera prodigiosa.
Como decía el mismo Jim: “Yo soy el rey lagarto, que parto y reparto. Contestadme a una pregunta, ¿sois realmente libres?. No sois más que un montón de putos esclavos. ¿Quién quiere ser un puto esclavo? Sed libres conmigo” El rompió las barreras de las mentes de la gente, colaboro un poco más en la revolución mental de los 60, que después se expandió de una manera rotunda en el mayo del 68. Si Inglaterra tuvo a su John Lennon y a su Mick Jagger, Estados Unidos tuvo a su Jim Morrison.
El mazazo de la muerte de José Antonio Ramos nos deja huérfanos de sonidos atrevidos, de la experimentación que unos pocos han realizado para reavivar nuestro patrimonio musical mediante investigación, curiosidad y búsqueda. El alcanzó a conseguir que nuestra música tradicional no se rinda del todo al ensimismamiento, la repetición amanerada de patrones antiguos. Al espíritu alicorto que se revela por ejemplo en ese bobalicón arrorró decretado himno de Canarias por la oficialidad con orejas de burro. Contra la música repetitiva de modelos agotados se alzó gente como Totoyo Millares y su discípulo JAR, igual que lo han hecho Benito Cabrera y Domingo Rodríguez, El Colorao. Con imaginación y ganas, nuestro hombre supo despegar sobre las raíces haciendo el mestizaje del pequeño y cantarín instrumento sobre la música sinfónica y el banjo de Bela Fleco, la gaita de Carlos Núñez y la trikitixa de Kepa Junquera. Aproximaciones al jazz y las músicas étnicas, los sones de los celtas y el guitarreo flamenco, el Atlántico y el mundo, planeos sonoros por encima del mar. La gran faena de que se nos haya ido tan pronto y tan injustamente es que su ausencia nos priva de escuchar los sonidos que hubiera sido capaz de armar en años de madurez. Muerte precipitada de quien tenía tanto que ofrecer.
Las noches de Artenara ya no serán las mismas en las fiestas de agosto, pero la memoria de JAR debe germinar también allí, aunque falte el vuelo del ave suelta que siempre fue este hombre grande que tocaba uno de los instrumentos más pequeños del mundo. Porque Canarias sigue necesitando francotiradores lúcidos como José Antonio, gente que ande los caminos al margen de compadreos y subvencionitis, las pandillas que lo controlan y lo censuran todo imponiendo falsos ídolos al abrigo de los favores. Qué fácil es lastrar una cultura alzando la mediocridad acomodaticia de los cortesanos. Pero también qué fácil resulta para quienes poseen talento y fe en sí mismos continuar abriendo surcos cuando -a pesar de que se camine solo en el sendero- uno cree en uno mismo. Al final el esfuerzo sostenido acaba por imponerse, no lo detienen las vallas publicitarias. Lo malo es partir al otro lado antes de tiempo; cuando ya no estorbas la tribu te consagra con todas las condecoraciones juntas, esas mismas que les han ido dando a voleo a los mediocres que han tenido cerca. Por eso ahora le dedicarán nombramientos de hijos predilectos, rotularán calles y le ofrecerán premios póstumos. JAR –bueno y noble- no ha muerto del todo, sus grabaciones están sobre la mesa para rumiarlas mil veces. La TV autonómica, esa pésima televisión que no nos queda otro remedio que padecer entre todos, le rindió un pequeño homenaje de madrugada, con abundantes corte publicitarios. Queda, en fin, ese testamento del nuevo disco a punto de salir donde aún puntea, innova, vive.
En alguna ocasión he confesado desde estas líneas que mi estilo de música favorito, y el que escuchaba casi en exclusividad hasta hace bien poco, acompañándolo tan sólo de algo de música clásica y celta, es el Heavy Metal.
Quizás otro día defienda un modo de hacer música que ha recibido críticas feroces y ha sido vilipendiada tradicionalmente y, fruto de la ignorancia, considerada como algo bruto y descerebrado.
Hoy en vez de razones me apetece poner ejemplos, y como muestra, esta composición de Manowar sobre la Iliada de Homero que refleja con una exactitud y una precisión elogiable una de las grandes cumbres de la literatura épica.
Los que hayan leído los textos homéricos habrán observado la riqueza de matices que posee cada canto: la genealogía de los héroes; la meticulosidad de las descripciones, en las que se especifica de que manera atraviesa la lanza del troyano la parte situada debajo del hombro, cerca de la clavícula izquierda del aqueo al que los dioses dieron la espalda; y esas intrahistorias sobre deidades propicias o castigadoras a las cuáles se debe temer; son sólo algunos de los múltiples detalles de este inmenso poema.
A la hora de adaptarlo Manowar optó por 8 movimientos, cuatro de ellos instrumentales y el resto de una profunda inspiración en los textos originales, hasta el punto de ser necesario un cierto conocimiento de la obra clásica para entenderlos.
En el documento adjunto podrán encontrar la letra original y una traducción libre al castellano, mientras que aquí expondré algunos de los conceptos por los que la letra pasa de puntillas esperando quizás un esfuerzo por informarse de parte de los seguidores de la banda neoyorquina.
La Iliada comienza con la disputa entre los reyes de Grecia por el botín obtenido durante las primeras batallas. Aquiles, héroe de fuerza y habilidad bélica sin igual reclama para sí una esclava, Briseida que Agamenón, el llamado pastor de hombres por ser el rey de todos los aqueos, pretende arrebatarle. La cólera de Aquiles le hace retirarse de la contienda junto a sus subordinados, los magníficos mirmidones. Hasta ese momento los dioses han acompañado a los griegos, que han podido incluso construir un muro que protege sus “negras naves” de una posible acometida de los troyanos.
La obra de Manowar comienza con una introducción épica al estilo de las bandas sonoras del peplum, con mucha fuerza. El texto narra el momento en que en la Ilíada, con Aquiles al margen, Héctor, hijo de Príamo y príncipe troyano, consigue vencer a las tropas griegas y destruir el mismo la barrera de los griegos causando estragos en las líneas enemigas. Esa es la razón por la que dice “el muro no resistirá”, se refiere al muro griego y no al troyano, construido por Poseidón y Apolo, el cuál ningún ejército podría destrozar jamás.
El segundo movimiento refleja la muerte de Patroclo, mejor amigo de Aquiles y según el profesor de la Universidad de las Palmas de Gran Canaria, Fernando Bruquetas, era su pareja, algo que a decir verdad yo no observé durante mi lectura, quizás porque venía de enfrentarme a la mucho más manifiesta homosexualidad de los personajes del señor de los anillos. Patroclo, haciéndose pasar por Aquiles y vistiendo su armadura, lleva a los mirmidones a la batalla, sin embargo no se puede comparar a Héctor y es vencido por éste, que cree haber acabado con Aquiles, que al enterarse de la muerte de su amigo jura acabar con Héctor y execrar su cuerpo.
La marcha fúnebre por Patroclo está seguida de la armadura de Aquiles, un solo de batería que refleja la construcción por parte de Hefesto de una nueva protección para el cuerpo del guerrero de los mirmidones, que había perdido la suya al ser reclamada por Héctor como trofeo al vencer a Patroclo. Por suerte para Aquiles, su madre Tetis, por quien Zeus sentía idolatría, consigue convencer al rey de los dioses para que ordene al dios de la forja hacer la mejor armadura que nunca se hubiese visto (que causará la disputa entre Ulises y Ayax Telamonio y la locura en la tragedia de Sófocles).
La última hora de Héctor trata con acierto la inexorabilidad de los designios divinos, habla del muro impenetrable de Troya y de las dudas del guerrero que conoce las intenciones de Aquiles y llega a temerle a pesar de aceptar su destino.
El siguiente movimiento nos muestra la ira de Aquiles y su ensañamiento con el cuerpo del vencido Héctor. Aquiles, en contraposición a la figura, por ejemplo, de Ulises, aparece como un héroe bruto, un maestro en el combate pero a la vez un rey orgulloso e irracional.
Para el último movimiento, queda tan sólo el disfrute por parte de Aquiles del ritual de homenaje a Patroclo y ultraje a Héctor, reflejado con mucho cuidado, respetando muchísimo la obra de Homero.
Sin embargo, el único pero que le pongo a esta adaptación, se echa en falta la narración de lo que tiene lugar en el último canto, donde Príamo, padre de Héctor, camuflado por los dioses va a visitar a Aquiles a su tienda de campaña y le suplica que le devuelva el cuerpo de su hijo para darle funeral, apelando a la grandeza del héroe griego tras su victoria, y convenciéndole de que ya ha sido cumplida su venganza.
De haber incluido ese diálogo, la adaptación hubiese sido casi perfecta, aún así, en mi opinión, refleja el espíritu de la épica griega como pocas veces se ha conseguido.
Bueno, pronto daré otro ejemplo de las magníficas adaptaciones que grupos heavy han hecho de joyas de la literatura, en concreto, la Odisea por el grupo, también neoyorquino, Symphony X. Hasta entonces les recomiendo la lectura de la Iliada de Homero.
Hace poco se cumplió el aniversario del fallecimiento de Frank Sinatra. Yo siempre he sido mas de música pop y rock, pero siempre he admirado al viejo ojos azules y a su grandiosa voz de barítono, y canciones como My way, Strangers in the night o New York, New York siempre han estado entre mis favoritas.
Francis Albert Sinatra nació en Hoboken, el 15 de diciembre de 1915 y falleció el 14 de mayo de 1998 en Los Angeles. Entre medias, una de las carreras mas importantes de la historia de la música y el cine. Sus comienzos como Crooner, compitiendo al lado de Bing Crosby, o cantando las canciones que prestigiosos compositores como Cole Porter o George Gershwin le abrieron camino en esto de la música, y poco a poco se fue convirtiendo en un mito americano y mundial. Todo el mundo adoraba a Sinatra, todo el mundo quería a Sinatra, todo el mundo hablaba de Sinatra, y él mientras tanto, lo hacía casi todo bien. Se empeñó en ser actor y cultivó una carrera memorable, sobre todo en su interpretación del soldado Mayo en “De aquí a la eternidad”, por la que ganó un oscar, y que fue un papel que le consiguió su esposa de entonces, Ava Gardner. Y con un puñado de títulos más que interesantes como "El mensajero del miedo", "El hombre del brazo de oro", y los que protagonizo junto a su pandilla del rat pack (ahora versionadas por George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon and company).
Frankie tambien tuvo una vida privada bastante turbulenta, desde su turbulento matrimonio con Ava Gardner (con historias de celos, peleas y escándalos para dar y tomar) a su fugaz enlace con una joven Mia Farrow, hasta su matrimonio más estable con Barbara Marx (ex esposa de Zeppo Marx) y su primer matrimonio con Nancy Barbato, con quien tuvo varios hijos (Nancy Sinatra entre ellos, luego popular cantante sobre todo por el tema “these boots are made for walking”).Además, de por medio, sus tumultuosos romances con Marilyn Monroe, Lauren Bacall, Kim Novak, etc. También se podrían escribir kilómetros de historias sobre el Rat Pack (bautizado así por Humphrey Bogart al grupete de amigos que formaban Sinatra, Dean Martín, Sammy Davis Jr, Peter Lanwford, y de vez en cuando Henry Silva, Shirley Mclaine, Angie Dickinson, y varios etcs) y sus conexiones con la mafia, sus juergas monumentales junto a sus colegas de profesión y compinches Martín y Davies Jr, su amistad con el clan Kennedy con conexiones políticas de por medio, y un mundo de claroscuros que fue la vida de Frankie. Pero, aparte de su carrera cinematográfica, me quedaré con su carrera musical.
¿Quién no se ha enamorado al son de Strangers in the night, o no se ha sentido identificado con alguna estrofa de My way, o no ha amado Nueva York o Los Angeles con New York, New York o L.A. is my lady, o no se ha sentido la piel de gallina con sus versiones de Something, Yesterday o Moonriver, o no ha volado hasta con ese Fly me to the moon o con ese otro come Fly with me, o no ha tenido sensaciones íntimas con ese I’ve got you under my skin o no se ha sentido feliz con ese That’s life??? Ya hace diez años que te fuiste, Frankie, pero siempre te recordaremos, ahí esta tu legado “Bigger than life” para hacerlo, y siempre que escuchemos algunas de tus maravillosas canciones pensaremos en lo mismo, que un día dios se disfrazo de cantante y su voz sonó detrás de unos old blue eyes. La voz nunca nos abandonará.
Después de muchos días de letargo bloguero, rompo mi silencio para engrosar la agenda cultural que nos ocupará en los próximos meses en Las Palmas de Gran Canaria. Me gustaría hacer mención a tres grandes conciertos que habrá próximamente.
En primer lugar, Luz Casal actuará en el Auditorio Alfredo Kraus el día 3 de mayo para presentar su último disco Vida Tóxica. Dicen que ha vuelto con fuerza después de su enfermedad. Y para sus fans, un placer poder seguir disfrutando de su voz.
A final de mes, una de las mejores bandas de la música en español hará vibrar con sus letras El estadio de Gran Canaria pues, el cantante de Los Rodríguez, Andrés Calamaro, también pisará Gran Canaria el día 29 de mayo, con La Lengua Popular.
Por último, un gran espectáculo despedirá la primavera y dará comienzo a las fiestas de verano. Nada menos que Jamiroquai. Probablemente el cantante de más reconocimiento internacional que pase por aquí esteverano.
Les dejo con un tema que seguro sonará en cada uno de estos conciertos.
Los de mi generación tuvimos que fabricarnos nosotros mismos el gusto por la música clásica. Como crecimos en tiempos de tinieblas, la música culta la asociábamos a los rituales de Semana Santa, a los días en que todo estaba prohibido, cuando la gente hablaba bajo, estaban cerrados los bares y los cines, y las radios sólo emitían Bach y gregoriano. Músicas de muertos, pensábamos entonces con nuestra supina ignorancia en aquellos tiempos en que aún cantamos el Cara al Sol en el patio de recreo, y dábamos Formación del Espíritu Nacional con el Fuero de los Españoles, la doctrina de José Antonio y las gestas del invicto caudillo. Con el tiempo hemos llegado a apreciar la bondad y la inspiración de los maestros. Bach, Vivaldi, Beethoven, Chopin, Mahler, Verdi, etc. El barroco italiano, el clasicismo. En una película francesa se produjo nuestro primer descubrimiento del concierto para clarinete, KV 622, de Mozart. Su adagio de poco más de seis minutos es una de esas piezas sublimes, etéreas, dictada por algún dios del olimpo al cerebro del compositor. Ha servido para poner música a innumerables películas, entre las que recordamos aquella memorable titulada Memorias de Africa. Entre otras versiones, citaríamos la de Sabine Meyer con la Staatskapelle de Dresden. Una belleza que va y viene, una espiral que regresa una y otra vez para gratificar al oído.
En aquella célebre película Amadeus, rodada en Praga por Milos Formann se decía que Salieri envenenó a Mozart por celos artísticos. Tras aquel impacto cinematográfico, hace casi veinte años visitamos Salzburgo, la casa natal y el palacio del siniestro obispo, también el cementerio de Viena en el que yacen, en puro amasijo, los restos de Mozart revueltos con los de otros muchos ciudadanos muertos en aquella misma fecha por alguna peste o similar. Alguna pregunta nos surgió entonces. ¿Era Wolfgang Amadeus tan loco y lujurioso que perseguía a las chicas sin parar, se tiraba pedos continuamente, era tan bebedor y derrochador como se nos indica en el film, era tan inconstante como su mujer? Los biógrafos nos darán su interpretación sobre esto y aquello, y lo único cierto es que hoy acudimos al genio como un enviado de lo hermoso en grado sumo, un inspirado melancólico, un eufórico armonioso, un racionalista que fue masón, un católico que hizo un Réquiem conmovedor, un fundador del género operístico, un autor de arias insuperables como las de Las bodas de Fígaro o La Flauta mágica, sinfonías, conciertos de piano y violín, etcétera. Dentro de otros veinte siglos, si el mundo sigue existiendo, habrá gente que disfrute con la misma frescura que ahora lo hacemos con las grabaciones del genio de Austria. Un alarde de eternidad, ni más ni menos que eso.
Pues no, no se trata de un poema de camaleones, o de una oda a la vida sexual nocturna del camaleón by mister Lennon (afortunadamente), ni siquiera de los pinitos de algún camaleón superdesarrollado en el mundo de la poesía, sino de algo mucho más sencillo y reconfortante, un pequeño tributo a esos dos genios de la música llamados Bob Dylan “el poeta” y David Bowie “el camaleón”.
Robert Allen Zimmerman, al que todos conocemos más por el nombre por el cual viaja, Bob Dylan, vino al mundo en la Minnesota de la América profunda. Desde muy joven, este tipo introvertido e introspectivo se empezó a inquietar por el mundo de la poesía y de la música, tanto es así, que cuando empezaba con sus primeros pinitos en el terreno musical, se cambio el nombre por el de Bob Dylan, en honor a su poeta favorito, Dylan Thomas. El Judío Zimmerman no sólo se conformaba con expresar artísticamente su mundo interior en forma de poemas musicales, sino que era un tipo comprometido con los conflictos que le rodeaban y afectaban y empezó a crear manifiestos musicales con la complicidad de su amante y amiga por aquella época, Joan Baez. Canciones como esa maravilla titulada “Blowin in the wind “ son prueba de ello. Pero el joven e inquieto Dylan también amaba al rock y al pop mas puro, y bailaba y alucinaba entre fumada y fumada de marihuana con los bailes de Elvis, Chuch Berry, Little Richard, Carl Perkins o Jerry Lee Lewis, y poco a poco fue graduando su estilo claramente Folk y reivindicativo a un estilo más pop y rock. Conoció (e influyó) a los Beatles, los Stones o los Who y se fue convirtiendo poco más que un mito viviente de la cultura contemporánea. De repente, casi todo aquello se vino abajo, un accidente de moto en el año 1966 casi corta las alas definitivamente del poeta de Minnesota y Dylan se retiró de la vida pública durante casi 10 años y se dedica a realizar poemas y grabaciones caseras en el calor de su hogar. Pero el gitano Dylan es un mar de talento para ser malgastado en una pequeña corriente casera y sale de nuevo ante los focos de la vida publica y el mundo de la farándula primera para publicar un disco nuevo con sus grabaciones caseras y luego para retomar su carrera musical y protagonizar algunas películas como la magistral “Pat Garret y Billy the kid” de Sam Pekinpah. De aquellos años a esta parte no ha pasado casi nada, es decir: un premio príncipe de Asturias, una colección de grammys, un nombramiento de caballero de las artes y las letras en Francia, oscars, globos de oro, libros de poesía y canciones como “Blowin in the wind”, “Mr tambourine man, “ Like a rolling stone”, “knoking in the heaven’s door” y discos y más discos para disfrutar y quedarnos hipnotizados con el talento de este gitano judío de Minnesota. Se podría hablar kilómetros y kilómetros acerca de Zimmerman-Dylan, del gitano poeta, del tío más definitivo y definitorio de su generación, del artista total, del tipo que le enseño fumar marihuana a los cuatro de Liverpool, del poeta del que John Lennon dijo “no es lo que dice, es como lo dice”, del bardo que quería ser un rolling stone, del profeta anti-vietnam, del masturbador de la conciencia americana anti-vietnam y anti-nixon, del rebelde antisistema con una guitarra y una armónica en ristre, y de tantas y tantas miles de cosas, calificativos y alabanzas. Pero como seguramente todas se quedarían pequeñas para Zimmerman y grandes para mi boca y mi pluma, solo decir que el tipo es Bob Dylan, el gitano poeta de Minnesota, con eso ya basta. Como diría el boss Springsteen de una mancera mucho mejor que la mía “¿Quieres entender la música y ser músico?, vete y escucha a Bob Dylan, ahí lo encontraras todo, yo lo hice.” Y es que ya lo decía Zimmerman: “La respuesta, amigo mío, esta volando con el viento”.
Y esto no acaba aquí, colegas míos. Ahora toca hablar de otro tipo muy musical él, pero no un tipo corriente, ya que se trata de un camaleón humano, un duque blanco, un rey del glam y una reinona conocida como Ziggy Stardust. Y todos ellos son el mismo, un tipo inglés y aristocrático llamado David Bowie. Vino al mundo en el año 1947, en Brixton, una de las regiones más aristocráticas y distinguidas de la Inglaterra post guerra mundial. Fue a los mejores colegios e institutos británicos y su educación fue exquisita. Pero el tío no se conformaba con ser un aristócrata Ingles y burgués que vivía en su gran mansión dando ordenes a sus muchos criados, el tío quería ser una estrella del pop y del rock y ser aclamado en los escenarios mientras hacía lo que más le gustaba, la música. Se convirtió en un camaleón humano después de que en una pelea en el patio del colegio, un generoso amigo le clavo un compás en el ojo, y el hierro de este compás hizo que la pupila antes verde se tornara azul, y voilá, ya teníamos a un camaleón humano de un ojo azul y otro verde. Pero el tipo no se conformo en ser un camaleón solo en los ojos, sino que también lo fue en su aspecto. Con space odissey y life on mars se convirtió en el rey del glam y máximo exponente de este genero musical subversivo que también engendró a dioses y monstruos como Iggy Pop. Durante muchos años de rey del glam, y reinona de las arañas de marte conocida como Ziggy stardust, se fue a Berlín a vivir un tiempo y se convirtió en el duque blanco, después de protagonizar “the man who fell to earth” de Nicholas Roeg, donde era un duque blanco y delgado directamente salido de otro mundo. Años de enganche a la cocaína, al alcohol y de colaboraciones y orgías de drogas, sexo y rock and roll con John Lennon, Mick Jagger, Pete Totwshend, Iggy Pop, Brian Eno o Freddie Mercury y Queen, y discos y títulos como let’s dance, my china girl, absolute beginners o colaboraciones en películas como “ El ansia”, “ La ultima tentación de cristo” o “dentro del laberinto” hicieron de él lo que es hoy día, el artista que se atrevía con todo, el duque blanco de la voz surgida de los cráteres de marte, la reinona glam que le canta a las estrellas y al almirante Tom, el camaleón de un ojo azul y otro verde que desafía a su público cada vez que sale de la ducha y se le ocurre una idea nueva que pone patas arribas al mundo de la música, el trovador Londinense más original jamás visto y oído. Señores, pónganse a sus pies y escuchen a su majestad el duque blanco, nunca habrán oído y bailado con un camaleón que cante mejor. Como dijo un día Pete Towshend, el guitarrista loco de los who “Cuando la música da un paso adelante, Bowie ya ha dado cinco o seis y esta sentado fumándose un cigarrillo esperando a que la música llegue a su altura”. Y es que ziggy stardust sólo hay uno, y más con una china girl tan fascinante como aquella.
Y esto es todo, damas y caballeros. Escuchen y disfruten con esta raza de camaleones y poetas de la que le hemos hablado, y apuesto que se sorprenderán y emocionaran a cada nuevo trabajo de estos dos tipos singulares y únicos en su especie. Bowie y Dylan, Dylan y Bowie, tanto monta monta tanto y si encuentran algo mejor, les llamaré mentirosos.
Michael Stipe, cantante del grupo REM, ha confirmado su homosexualidad hace poco. La declaración la hizo pública en la soleada ciudad de Los Angeles, y el líder de uno de los grupos musicales más importantes del final del siglo XX tomó esa decisión “para ayudar a cualquier joven ahí fuera”. Salió del armario, despejó dudas porque –según sus palabras- el hecho de que las figuras públicas traten el tema de forma abierta constituye algo positivo. Stipe, de 48 años, dijo que para él había sido “supercomplicada” la situación que vivió en la década de los 80, cuando las circunstancias eran mucho más restrictivas. No olvidemos que Estados Unidos es una sociedad fundada por puritanos ingleses, y una de sus principales contradicciones es la hipocresía social. Mantener la pena de muerte y no permitir los matrimonios homosexuales, cultivar la guerra y no luchar contra el cambio climático son cuestiones del lado perverso americano que se contraponen con su fabuloso desarrollo tecnológico y su capacidad de investigación, su sociedad multiétnica y avanzada en las costumbres, a pesar del freno que supone la América profunda y del papel que en ella ejercen las muy diversas comunidades religiosas. El dólar es el único billete del mundo que contiene la frase: “En Dios confiamos”, toda una declaración de principios. También en EE.UU. proliferan últimamente las teorías que niegan la evolución de la especie humana desde los simios, y que interpretan el Génesis al pie de la letra.
El trabajo musical del grupo es extraordinario. Temas como “Losing my religión”, “Man on the moon” y sobre todo la célebre balada “Everybody hurts” son ya inmortales. Cuando el día es largo y la noche es tu soledad, cuando estás seguro de que estás de vuelta de todo, entonces resiste. Porque todo el mundo siente dolor más de una vez. La clave está en permanecer, en tomar impulso para levantarte de nuevo. Todo el mundo sufre, todo el mundo llora. Pero aguanta, porque no estás solo. Un canto de esperanza en las desoladas calles. A estas alturas, está claro que REM es un grupo inspirado en comentar asuntos de nuestros días con docenas de baladas, canciones pops y temas rockeros; desde la melancolía a los pasajes guitarreros y oscuros, desde las letras cristalinas a las que están repletas de metáforas y de símbolos. Por cierto que “Losing my religion” no fue bien vista por la Iglesia Católica. Se trata de una canción de amor y desengaño: “Elijo mis confesiones, intentando no quitarte la vista de encima. Como un tonto herido, perdido y ciego.” A lo que íbamos: ahora, cuando todavía quedan rastros de homofobia, la declaración de Stipe es válida. Forma parte de ese lado americano que nos interesa: el del mirar hacia delante.
En una cartelera normalmente más vacía , sosa y aburrida que el diario de espinete, tendremos una luz que brillara este Viernes 4 de Abril. Se trata de la película-documental “shine a light”, firmado por el mismisimo Martín Scorsese, uno de los más grandes directores contemporáneos, y que versa sobre uno de los últimos conciertos y giras de los indestructibles, inagotables e imperecederos Rolling Stones, una de las bandas de Rock más míticas de todos los tiempos, y sin duda , la más duradera. El documental mostrara al grupo formado por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ron Wood en una de sus ultimas giras tocando su mas legendario repertorio de temas y a la vez se salteara algunas imágenes de archivo de los Stones en los 60 y 70, sus épocas de máximo apogeo (no perderse especialmente una que muestra a un Mick Jagger recién salido de chirona consumo de drogas y discutiendo en un programa de televisión con algunos de los más moralistas y ejemplares miembros de la sociedad Británica por aquella época) por , a la vez que algunas situaciones actuales y pequeñas entrevistas a los miembros del grupo.
De Scorsese poco podríamos decir ya a estas alturas. Uno de los directores barbudos de esa espléndida generación que apareció en los 70 y en la que también estaban Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, George Lucas o Brian De Palma y todos provenientes de la fabrica de nuevos talentos de Roger Corman. Con una carrera con títulos tan magistrales como malas calles, taxi driver, toro salvaje, uno de los nuestros, el cabo del miedo, la edad de la inocencia , gangs de Nueva York o infiltrados, Marty ha sabido retratar como nadie el mundo de la mafia ya sea ítaloamericana o Irlandesa, pero también ha acometido con fortuna otra serie de géneros, el musical entre ellos. Ya sea en películas como New York, New York ( en su enésima colaboración con su inseparable Robert De Niro), videos musicales para estrellas del Pop y del Rock como Michael Jackson ( en bad, más concretamente) o en documentales como el ultimo vals ( documental sobre las ultimas actuaciones de una banda mítica., the band, compuesta entre otros por Bob Dylan) y no direction home( otro grandioso documental donde se narra la carrera del genial Bob Dylan, en su segunda colaboración con Marty). Pero Marty también ha demostrado un excelente gusto musical eligiendo el mismo los temas que aparecen en las bandas sonoras de sus films. Que decir de las excelentes bandas sonoras de malas calles, uno de los nuestros o infiltrados, por poner algunos ejemplos.
De los Stones, también muy poco podríamos decir de ellos a estas mismas alturas. Surgieron en los primeros 60 a rebufo de los cuatro de Liverpool, es decir, los Beatles, y en poco tiempo igualaron a estos en popularidad e impacto en la vida social y cultural británica y mundial. Al principio, el grupo estaba formado por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman y Brian Jones. Luego Jones aparecería muerto en una piscina bajo extrañas circunstancias aun sin aclarar, Wyman dejaria la banda a principios de los noventa y encontrarian un complemento perfecto al antiguo socio de Rob Stewart, Ron Wood. Por el camino, un intento frustrado de ser satánica majestad por parte del excelente guitarrista Mick Taylor, orgias y desenfreno de drogas , sexo , alcohol y rock and roll, escarceos varios con Marianne Faithfull( la musa del grupo, y de varios de ellos a la vez, y en todos los sentidos) , Anita Pallemberg , Jean Srhimpton, Bianca Jagger o Jerry Hall, varios arrestos y juicios , peleas desenfrenadas, asesinatos de fans en un concierto y enfrentamiento con amenazas de muerto incluidas con los Angeles del Infierno, malos rollos entre Mick y Keith y un repertorio de temas al alcance de muy pocos que incluyen joyas como Satisfaction, Start me up, Angie, Wild Horses, Ruby Tuesday, Jumpin Jack Flash, Brown Sugar, Its only Rock and Roll, Mothers little Helper o Simpathy for the Devil, entre otras muchas.
Este viernes, Scorsese y los Stones se unen en un documental que promete mucho. El autor de toro salvaje con los autores de satisfaction. La hábil cámara de Marty siguiendo a Mick recitar aquello de “ I cant get no” y a Keith con sus infernales riffs del mono borracho.que se cayo de un cocotero. ¿ Quien da más? Por cierto, lo próximo de Scorsese, un documental sobre el Beatle George Harrison. Lo próximo de los Stones, Seguir teniendo simpatia por el diablo taconear sobre los escenarios durante otros 45 años mas o menos.
Ima Galguén, nombre artístico de María del Carmen González, es una cantante canaria casada con el pintor Pedro Fausto, que ejerce como maestra en el municipio de Tijarafe.
Partiendo del cultivo del folklore insular se integra tempranamente en el grupo Vrandán, de tendencia etno-folk y en los años ochenta inicia su andadura como cantautora. Se dedica a la interpretación y composición de canciones infantiles, de cuya actividad surge su primer trabajo musical, “Arco de colores”, en 1995. Con el poeta y músico gallego Ramón Araújo configura los temas de su primer álbum, “Regreso al Espíritu”, 1997, que es un reencuentro con la tierra, en el que evoca la mágica belleza de la isla de La Palma y que tiene una importante acogida ya que se editó en España, Taiwán, Japón, Singapur y México. Algunos de sus temas son incluidos en recopilatorios como “Women’s of Spirit”, de un sello norteamericano, así como en “Naciones celtas”, “Alquimia”, “Couleurs de Madrid”. La crítica aplaude su trabajo, figurando en programas especiales de Radio 3, y pronto es definida como la Loreena McKennitt española. McKennitt es una cantante canadiense, referencia universal de la música celta y de nuevas tendencias.
Alternando su actividad docente con la musical, la cantante aborda hasta la actualidad otros proyectos discográficos, al tiempo que también publica un nuevo trabajo musical para niños. Surgen así, cronológicamente, “Abismo arriba”, “Naves”, “En el País de los Sueños” y el DVD “Donde el silencio es azul”, para culminar en este mismo año 2008 con su último disco, “Temprano son de mar”. Ya hablaremos más adelante de este nuevo trabajo, un disco intimista donde juegan un papel esencial las emociones, el paisaje insular y el mundo de los sueños. El paisaje se vuelve mágico, contagiado por las leyendas propias de las islas. El nuevo CD engloba 14 temas inéditos, con la inconfundible aportación del violinista Pablo Rodríguez.
Hay que resaltar que su marido, el pintor Pedro Fausto, ha elaborado vistosos vídeos de la cantante que se pueden ver en Youtube, en los cuales se aprecia el vistoso paisaje de la isla de La Palma, sus nieblas, sus montes, sus bosques, y la cristalina voz de la cantante.
El que para muchos es el mejor grupo de la historia de la música, en el cual me incluyo, nos regaló un pseudo musical dramático de uno de sus más famosos discos, The Wall.
Dirigida por Alan Parker (”Evita”,”Arde Mississippi” o “Fama”) y protagonizada por el mismísimo Bob Geldorf, promotor del Live Aid y con el guión de Roger Waters, verdadero artífice de la magia de Pink Floyd.
Película del año 1982, el film es la transformación gráfica de la música de “The Wall” a través de la imagen…aquellos dibujos que quedarán por siempre asociados a la banda, y por qué no, a la historia del Rock.
En algunos momentos de la historia, da la sensación de estar viendo las notas, la partitura. Es una tridimensionalidad musical en estado puro. Puede parecer, en un primer visionado, que es una obra extravagante y rara a la vez que se sale de lo normal y nunca podría pertenecer a lo que se pueda denominar una película normal. Pero vale la pena verla, aunque sólo sea por disfrutar de la buena banda sonora que encaja tan bien en el engranaje de la película.
Toda una generación recuerda aquella vez que fue al cine para sorprenderse con la visión sombría de un Waters que había basado sus composiciones en la soledad, el desconsuelo, la locura, la crítica social y la poesía a ese muro que levantamos para aislarnos del entorno.
Another Brick In The Wall se transforma en el Himno crítico del sistema educativo, “Nosotros no necesitamos educación, nosotros no necesitamos control”.
The Wall, un clásico de la música de todos los tiempos.
Tratando el tema del medio ambiente, la armonía y la paz, me acordé de este genial grupo que por su calidad musical y también humana merece reconocimiento en este pequeño rinconcito de la red.
Ya he hablado de esta joya, una película que ha pasado muy desapercibida para todo el mundo.
Aquí dejo otra muestrita más del poder persuasivo que ha tenido sobre mí, es imposible huir de tanta belleza.
La canción no es de las más conocidas de The Beatles, pero es una de mis favoritas y tiene una fuerza que hace tambalear el planeta. La interpreta la cantante Dana Fuchs, que debuta en el cine con esta película.
Dana Fuchs tiene una voz impresionante, una garra que se echaba en falta desde la época en la que Janis Joplin dominaba la escena con solo un movimiento de pestaña.
Hoy voy a hacer una pequeña trampa, no es un aniversario Redondo, pero si muy próximo. El verdadero aniversario, 40 lustrosos años, fue el año pasado. Pero como el año pasado no estaba escribiendo por estos lares, pues lo digo hoy, hala. Al fin y al cabo, ¿que es un año arriba o un año abajo?. Bueno, cortando el rollo y al grano que el espacio del blog no es infinito. Resulta que allá por el año 1966, Los Beatles estaban aburridos de ser Beatles, en especial John Lennon y George Harrison. Demasiada presión, demasiados conciertos y giras, demasiado todo. Pero he aquí que Paul Mcartney tuvo una idea brillante, ¿por qué no hacer un disco de los Beatles sin ser los beatles? Es decir, un disco de John, Paul, George y Ringo bajo la identidad de un grupo imaginario.
En seguida se les vino a la cabeza el supuesto grupo, el sargento pimienta y la banda de los corazones solitarios, o lo que es lo mismo, Sargent Pepper’s lonely hearts club band. Y de ahí nació un mito. Era el primer album conceptual, con todas las canciones relacionadas unas con otras de una manera como nunca se había visto antes. Y con una portada que hizo historia. En ella salían los cuatro beatles con sus extraños uniformes de la banda del Sargent Peppers, sus réplicas del museo de cera, y un montón de personajes famosos entre los que se encontraban Marlyn Monroe, Marlene Dietrich, Marlon Brando, Edgard Allan Poe, Lewis Carrol, Tony Curtis,Mae West, Dylan Thomas, Tom Mix, Oscar Wilde, Tyronne Power, Jonnhy Wessmuller, Fred Astaire, H.G. Wells, George Bread Shaw, Stan Laurel, y un larguísimo y variado etc. Hasta algunos personajes inicialmente propuestos como Hitler y Jesucristo fueron desechados por no montar polémica (huelga decir que fue John el que los propuso). Un collage de personajes que ha pasado a la historia como una de las portadas mas significativas de la historia de la música, mil veces copiada y nunca igualada.
Y que decir de la calidad del disco. Esa oda a la psicodelia alucinógena que es Lucy in the sky with diamonds (según la versión de John, fue un dibujo que hizo su hijo Julian en la escuela), la simpatica with a little help of my friends, la emblemática Sargent Pepper’s , la melódica when I’m sixty four, la magistral a day in the life, y un larguísimo etc. Y Penny lane y Strawberry Fields Forever se quedaron fuera por muy poco.
Que duda cabe que “revolver” es una obra maestra. Que el “white album” es una hermosa colección de individualidades. Que “ hard day’s night” es quizás la mejor obra de su etapa ye-ye. Que “help” es un canto a la alegría. Que “rubber soul” marcó un nuevo rumbo para los fabulous four. Que “abbey road” es quizás el disco de más calidad de los cuatro de Liverpool. Y que “let it be” es una muy bonita despedida. Pero el “ Sargent Pepper’s” sigue siendo el disco beatle por excelencia. Y aunque pasen otros cuarenta años (vale, vale, cuarenta y uno) no habrá otro album más emblemático que el del sargento pimienta y su banda de los corazones solitarios. Y esto es todo. We hope that you have enjoyed with the show, and SARGENT PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND.
Si existe un Dios en la música clásica, ese es Johann Sebastian Bach. Este Alemán nacido en el siglo XVII, es el gran pilar de la cultura universal. Su extraordinaria obra es considera como la cumbre de la música barroca.
Personalmente, es el mejor compositor de música clásica que he escuchado en mi vida, su obra es de las más variadas que existen, música Vocal, Instrumental, Cantata, Suites, Sacra…todos los estilos los ha dominado con una maestría única. Ha sido fuente de inspiración para grandes músicos como Joseph Hayden, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin.
En el corte que nos ocupa, es un aria de La Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach. Mattahäus Passion en alemán, porque es en ese idioma como esta escrita.
Esta aria es el final de la parte que relata como Pedro niega a Jesús tres veces, por lo que Pedro se arrepiente rogando a Dios que le perdone por lo que ha hecho, por la debilidad mostrada a su Señor.
Quien haya tenido la oportunidad de ver esa obra maestra dirigida por Martin Scorsese, llamada Casino, sabrá apreciar como van en sintonía la música de Bach con las imágenes impactantes del comienzo de la película…dramáticas.
¿Dios existe? Posiblemente sí, y su nombre será Johann Sebastian Bach.
En el mundo de la música ha habido muchos héroes. Algunos se marcharon antes de tiempo, otros siguen entre nosotros para seguir disfrutando de su arte. Hoy les llamo la atención sobre unos héroes musicales en particular: los guitarristas. Una raza de tipos peculiares a los que hay que darles de comer aparte. Únicos, intrínsecos, iconoclastas, rebeldes y con un objetivo común: sacar todo lo que llevan dentro y expresarlo mediante el aparato de las seis cuerdas.
Seis cuerdas y un virtuoso. Si ese virtuoso se llama Keith Richards, mejor que mejor. El guitarra de los Stones destila arte, pasotismo y carisma por los cuatro costados. Sube al escenario con desgana, pero cuando se pone su guitarra y sus manos acarician la de las seis cuerdas, la magia inunda su cuerpo y se convierte en un demonio del infierno. Si Mick Jagger es el alma de los Stones, Keith es el escupitajo en la cara y la rebeldía de la música personificados. En realidad, Mick siempre quiso ser Keith, pero por suerte Mick se quedo en Mick y Keith en Keith, y los stones en sus satánicas majestades.
Les podría hablar del pionero de todos ellos, Chuck Berry, el negro que bailaba con pies de oca y uno de los precursores del Rock and Roll más autentico. Un joven Keith Richards bebía los vientos por este guitarrista infernal con el ritmo saliendo a borbotones de su enorme corpachón y traduciéndolo en los acordes de su guitarra. Les podría hablar de B.B.King, el rey del soul con su Lucille cantandole al profundo sur americano y al Missippi de Mark Twain, Tom Sawyer y Huckellberry Finn.
Les podría hablar del español Paco de Lucía, haciendo de la guitarra clásica española un arte en sí mismo. O de un tal Brian May, un señor alto y delgado de educación exquisita y porte aristocrático, pelo alborotado y que acompañaba la voz diabólica y cuasi perfecta de otro tal Freddy Mercury con su guitarra mágica, tocando todos los palos y estilos posibles. Pero siempre él, siempre May, uno de los más grandes y reconocible tocara lo que tocara. Y así podría seguir con Pete Towsend, Eddie Van Halen, Jimmy Page, Carlos Santana, George Harrison, Tommy Iommy , Mark Knopler, Sting, Prince y un larguísimo etc de enormes guitarristas. Pero hoy me detengo en particular en dos de mis favoritos: Eric “slowhand” Clapton y Jimi “Wonder” Hendrix. Dos de los más grandes y una anécdota en particular que los une.
Londres, mediados de los 60. Pleno swinging London y revolución mental. En un local londinense bastante frecuentado por los artistas y músicos del momento (Beatles, Stones, Who, Tom Jones, Clift Richards, Julie Christie, Vanessa Redgrave, Twggy, Susana York, Peter Sellers, Sean Connery, Terence Stamp, Mary Quan, Jean Shrimpton, Michael Caine, Roger Moore y un largo etc) Eric Clapton, apodado slowhand era el amo. Recientemente había formado un grupo llamado Cream, y en aquel local era un dios. Parecía que no hacía nada y lo hacía todo. Cada actuación suya era como para enmarcarla y no perderla jamás. En un mural del local rezaba “Clapton is god”. Un día, un tipo negro americano con peinado afro llamado Jimi Hendrix vino a tocar a Londres con su grupo, la “Jimi Hendrix experience” y fue invitado al local de moda donde reinaba el dios Clapton. Después de colocarse con el LSD de rigor y presenciar la apoteósica actuación de Clapton (“no se que coño hace este tío pero es lo mejor que he visto en mi vida con una guitarra” , en palabras de Jimi), fue invitado a unirse a la actuación de Eric y Cream . Jimi salió con su propia guitarra eléctrica, de la que nunca se separaba, y subió al escenario. Empezó a tocar junto a cream, y el publico quedo fascinado, Hendrix y Clapton en el mismo espacio de terreno y tocando juntos. De pronto, Jimi se desato y empezó su propia versión del tema que estaba tocando cream de una manera que nunca nadie había visto antes. Se tiraba por los suelos, daba saltos, se revolcaba , tocaba la guitarra con los dientes, las rodillas y los codos, y todo con el ritmo más sensacional y dinámico que nadie había escuchado. Aquel tío poco conocido de la America más profunda tocaba igual o mejor que el dios británico Clapton, y con los dientes, los codos y las rodilas, y en su propio terreno. Ante esta demostración de genio, Clapton tuvo que salir del escenario y rendirse ante aquel prodigioso talento al que el publico británico adoraba y gritaba vitores. Un mito había sido reforzado aquel día, el de Jimi “Wonder” Hendrix. Desde aquel día, en el mural del loca, encima del “Clapton is God” reza un aún más grande “Jimi is more than god” (Jimi es mas que dios).
Solo aquel sureño negro y medio loco podría haber ido a Londres y desbancar al genial slowhand en su propio terreno. Muchos británicos se dieron cuenta que la “british invasión” y la revolucion mental surgida del swinging London no era propiedad exclusiva de los nacidos en Gran Bretaña, un americano sureño estaba entre los lideres del movimiento. Años más tarde, Hendrix moriría de una sobredosis de droga. Había nacido un mito. Nos había dejado un heroe de la guitarra.. Hail, Jimi.
Hoy en día hay grupos o cantantes que a mi juicio podrían llegar a esa condición de Iconos musicales o que con el tiempo se les podría colocar en el lugar que se merece.
No toda la música que se hace es buena, pero tampoco es mala…por ejemplo hay un grupo que a mí me gusta mucho, y que con tan solo tres Álbumes me ha enganchado y lo que es más difícil, impresionado.
Interpol es un grupo Norteamericano, su estilo podría definirse entre el Rock, Retro-Rock, Indie…podría ser una fusión de todo esto. Se les compara mucho con el grupo ochentero Joy Division.
La cuestión es que tiene un estilo de Rock oscuro que puede tener raíces de los ochenta, pero suena de maravilla. Las guitarras suenan potentes, a veces parece que tienen un sonido apocalíptico, terrorífico, con letras muy oscuras.
Luego esta la increíble voz del cantante Paul Banks, que recuerda mucho a la de David Gahan, cantante y líder de uno de los mejores grupos de música electrónica que ha existido, Depeche Mode.
Como decía tienen publicados tres álbumes, siendo el último Our Love To Admire el más destacado. Que sirva como carta de presentación este tema Pioneer To The Falls, simplemente perfecto.
