Mostrando las entradas con la etiqueta Cortos. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta Cortos. Mostrar todas las entradas

Nasija

Me gustan los colores vivos, los que alegran la vida, los colores intensos. Quizás aún no los reconozcas, quisiera enseñártelos pequeña, si pudiera…
Nasija.


Me interesa mucho las historias de las mujeres, de las mujeres de mi familia, de las mujeres de mi isla, de las mujeres en general, porque nacer mujer supone todavía vivir con limitaciones, sobre todo si has nacido en algunos lugares de África.

Nasija fue creada a partir de una de ellas.

Guillermo Ríos dirige su corto cinematográfico Nasija y nos relata un viaje a lugares cercanos e inquietantes, un viaje al interior de la vida de una joven que nació en una aldea de un país del África subsahariana. De una mujer que a través de un monólogo, una conversación con su hija, va contando su historia, su vida. Y la compara con los colores del arco iris, con su existencia dolorosa, con la incapacidad que siente frente a su destino.

Relata el camino de una joven madre huida, perseguida, sentenciada por el hombre rico a la lapidación, al camino del sufrimiento, de la sangre que para muchos es la esencia de la vida otorgada por los dioses pero para ella es el camino de la muerte. El color del dolor.

Una película que en nueve minutos condensa la senda de muchas africanas, lo que deben soportar. Sus últimos pensamientos son para su madre y su hija. Un himno de amor, del amor que una madre siente por su hija, con la que no podrá jugar, ni compartir la luz de la tarde, ni enseñarle a ordeñar vacas, ni contarle cuentos. No podrá protegerla de los hombres, de los casamientos concertados, del repudio, de la ablación, de la pobreza, de la lapidación, de la falta de libertad.

Guillermo Ríos rueda su película en la isla de Tenerife en un paisaje austero, delicado con tierras rojizas y llama la atención por su parecido con el color de nuestro continente vecino. Algunas tomas son muy cercanas y surgen de la observación de lo cotidiano, planos pulcros sobre el maltrato físico y psicológico al que es sometida la mujer en algunas culturas africanas por ir en contra de las normas.

Nasija es más que una película. Es un poema de amor donde el espanto de la realidad se entremezcla con la lírica. Con una buena interpretación de la senegalesa Madeleine Ditta que con sus ojos grita, busca una respuesta.

Las voces se escuchan en lengua yoruba con resonancias y con ritmos, un sonido que emociona y que va acompañado con los subtítulos en español.

Guillermo Ríos Bordón nos acerca a un tema social producido por Ríos TV y ganador del 22 Festival Internacional de Cortometrajes de Berlín, durante la décima edición. Ha obtenido también más de sesenta premios nacionales internacionales. No ha parado de recibir premios. Lo pueden visualizar desde este espacio. Se los recomiendo.

Espero y deseo para el Año que está a punto de comenzar seamos más solidarios con las mujeres y los hombres que sufren, que de una vez por toda nos quitemos el velo para respetar las tradiciones, para ayudar a la marginación, a los que sufren. Espero y deseo que no olvidemos que la discriminación entre los seres humanos por motivos de raza, color u origen étnico es un atentado contra la dignidad humana, una violación contra los derechos humanos. Espero y deseo que entendamos que la crueldad no tiene religión, ni cultura ni raza que luchemos por ayudar. Espero y deseo que consigamos un mundo multicultural mejor.

Autor: Rosario Valcárcel

Leer más...

La última vida, el Resident Evil por Manuel Carballo

La industria del videojuego, tras sus comienzos en los sesenta y su eclosión principalmente en la década de los ochenta, ha ido poco a poco recortando terreno al cine como principal medio de entretenimiento audiovisual, hasta que, recientemente, estudios económicos han desvelado que la recaudación de las más exitosas películas es sensiblemente inferior a las cifras de venta de los títulos más famosos de las consolas.

Además, como paso obvio si se tiene en cuenta sus antecedentes en la literatura y el cómic, también muchos protagonistas de aventuras interactivas han dado el salto a la gran pantalla, baste como ejemplo las adaptaciones de Super Mario, los guerreros de Street Fighter, Mortal Kombat o Dead or Alive y por supuesto las joyas del terror como Resident Evil, Alone in the Dark, House of the Death, Silent Hill… y aunque casi todas, de la mano de directores de la talla de Uwe Boll, han sido auténticos fiascos, lo cierto es que ni siquiera cuando se ha contado con algo más de talento, como en el caso de Roger Avary, se ha podido trasladar correctamente el ambiente del original a las salas de cine. Los casos inversos, en los que films de éxito se han convertido en videojuegos, tampoco suelen destacar y aunque ha habido de todo, desde algunos muy entretenidos hasta un ET que casi acaba con las ganas de jugar de una generación; rara vez aparecen en las listas de los mejores videojuegos argumentos obtenidos de películas.

Todo esta introducción, que quizás pudiera llevar a discutir la relación sea simbiótica o parasitaria de Cine y videojuegos, sirve de prólogo a un cortometraje de Manuel Carballo, también incluido en Los Diminutos del Calvario, que se llama “La última vida” y que está claramente inspirado en Resident Evil, la causa de algunos de los mayores sustos que me ha producido una experiencia audiovisual. La recreación, por extraño que parezca y aunque sólo sea durante un minuto, es muy fiel al estilo del original y a aquellos que lo disfrutamos, fuera en PC, en Saturn o Playstation, nos arranca una sonrisa y quizás algunas ganas de vivir, aunque ahora sea en la Wii y corriendo por el salón de nuestras casas, las aventuras que llevaban al desmantelamiento de la Umbrella Corporation.

Espero que les resulte simpático este trabajo a caballo entre ambos mundos.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Taxi? de Telmo Esnal

El corto recomendado de esta semana es un trabajo de Telmo Esnal llamado Taxi? en el que actúan Luis Tosar, Arturo Vals y Marta Etura y que circula en torno a una premisa: “cómo serían los trayectos en Taxi si todos los trabajadores siguiesen un protocolo de oferta de conversación.”

Las situaciones que se suceden en torno a esa idea durante los apenas cinco minutos de duración del metraje hacen difícil de evitar el esbozar una sonrisa y muestran que el panorama de cortos en el país vasco es uno de los más ricos, si no el mejor, de toda España. Algo que queda de manifiesto en los certámenes de Kimuak donde brilla la obra de Vigalondo, Cobeaga, Sánchez Arévalo entre otros, como punta de un iceberg que incluye esta obra de Telmo Esnal.

Por primera vez, y espero que no sea una situación que ocurra demasiado a menudo por la incomodidad que supone, no será posible ver el video desde el Arca de Sofía, sino que habrá que seguir un link hasta la página de Canal Plus, un canal que también se ha caracterizado durante años por su mecenazgo y su difusión de estos perfumes del cine que son los cortos bien hechos.

Les animo a que lo vean y comenten con nosotros esta idea de fácil realización que con la ayuda de actores profesionales ha llevado a cabo con mucho acierto Telmo Esnal.

Pincha Aquí Para Ver El Corto


Autor: Roberto Samper

Leer más...

Cine de Barrio, de Iñigo Rotaetxe

Hace algunos años, debo reconocer que por error, o mejor dicho fruto de la casualidad, llegó a mi poder una colección de cortometrajes breves denominada “Los diminutos del calvario”. Se trataba de una iniciativa que según tengo entendido partió de México y fue trasladada a España en dos ediciones consecutivas, en el 2001 y en el 2002. Las bases parece ser que indicaban que los cortos debían estar rodados en un único plano secuencia y se proveía a los directores solamente con un rollo de tres minutos de duración.

Durante las próximas semanas intentaré trasladar algunos de los más destacados a este espacio ya que abarcan el trabajo de algunos directores que están comenzando a revolucionar el cine patrio, entre los que destaca por el éxito comercial de su primer largometraje Juan Antonio Bayona.

Comencemos pues con el que abría la muestra del año 2002: Cine de Barrio de Iñigo Rotaetxe González de Ubieta, un creador que une en su creación algunos trabajos en el mundo del corto con varios diseños para compañías importantes y numerosas cartas de ajuste para televisiones de todo el mundo, destacando quizás su trabajo para las olimpiadas de Atenas en el 2004.

Sin quererme extender demasiado, les recomiendo la visita a la web oficial del autor de este Diminuto donde podrán encontrar otros cortos como el premiado “Tiempo muerto” e incluso un modo de ponerse en contacto con él para solicitar sus servicios.


Autor: Roberto Samper

Leer más...

Un Cortometraje de David Lynch

Hace sólo siete días que fue el 4 de Julio, esa fiesta nacional estadounidense que conmemora la independencia de las trece colonias de su metrópoli, Reino Unido. En muchas ocasiones he discutido acerca de la importancia histórica de ese movimiento, como antecedente de la Revolución Francesa o, hablando con más propiedad: movimiento pionero en el ciclo de revoluciones burguesas.

Si bien estadísticamente la mayor parte de mis directores de cine favoritos son de procedencia europea, lo cierto es que la industria cinematográfica de la primera potencia mundial ha dado muchos genios y en ese país se han realizado algunas de las más importantes joyas del séptimo arte.

Así, quiero utilizar esta coyuntura para destacar mi no-antiamericanismo, ya que a veces esa actitud me parece una secuela trasnochada de la guerra fría, y decidirme a invitarles a ver en este espacio por primera vez el cortometraje de un director no español: David Lynch.

La carrera de este director de Montana, nacido en enero de 1946, se caracteriza por la mezcla del surrealismo y la narración cinematográfica, una suma que da resultados en ocasiones cercanos al videoarte y otras veces, cuando se decide por historias más convencionales, interesantes ejercicios narrativos cargados de sensibilidad como por ejemplo la comentada desde este espacio “El Hombre Elefante”.

Bajo esas premisas Lynch ha desarrollado una dilatada carrera de más de cuarenta años, a pesar de que pueda parecer que sus comienzos tuvieron lugar en la década de los ochenta, sobre todo debido a que fue a finales de ese decenio cuando alcanzó una gran fama por su serie de televisión Twin Peaks. Sin embargo, cuando el agente Cooper comenzó a investigar el asesinato de Laura Palmer, este genio peculiar ya nos había enseñado de lo que era capaz con “Cabeza Borradora” , “El hombre Elefante” , “Dune” y “Terciopelo Azul” ; casi la mitad de su creación.

Tras el éxito de la serie de televisión vinieron algunas de sus más famosas películas: “Carretera Perdida” , “Una Historia Verdadera” , “Mulholland Drive” y la ultimísima “Inland Empire” , filmada íntegramente en formato digital.

Pero como esta sección trata los cortometrajes, me gustaría que nos remontásemos bastante tiempo atrás, hasta 1968, cuando salía a la luz un trabajo denominado “The Alphabet”, en el que se vislumbran algunas de las que serían las características de estilo del director en ciernes: fuerza visual, bandas sonoras inquietantes, tintes surrealistas, montaje brusco para impactar al espectador y para finalizar un regusto amargo y descorazonador por esas preguntas que la imagen nos plantea y que no tienen respuesta aparente.

Espero que les guste esta canción infantil del alfabeto con la que David Lynch empezó a cosechar éxitos.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Cortometrajes no tan originales

A menudo he considerado como uno de los más importantes aspectos de la creación cinematográfica y concretamente de la elaboración de cortometrajes, la originalidad. Si bien es cierto que como decía Mika Waltari “no hay nada nuevo bajo el sol”, a veces algunos directores son capaces de hacernos sonreír o sorprendernos con propuestas que irradian frescura y buen hacer, algo que para el mundo del arte es en mi opinión imprescindible.

Sin embargo otras veces, por el contrario, tanto las productoras hollywoodienses, tan amantes de los “remakes”, como los creadores independientes, nos venden la misma moto en más de una ocasión, sea este el caso de “Reservoir Dogs”, de “Infiltrados”, de “Muerte entre las Flores” de “Todo lo demás” o incluso de algún corto presentado a grandes festivales.

Hoy me gustaría compartir casos en los que cortometrajes explotan, con cierto éxito, “ideas heredadas”, que incluso sus realizadores han llegado a reconocer que obtuvieron de las denominadas “cadenas de correo”, esas maldiciones de nuestro tiempo que consisten en una frase de galleta de la fortuna pseudofirmada por Neruda o Gabo con una música ñoña e imágenes kitsch de fondo o quizás advertencias de catástrofes de proporciones bíblicas sólo evitables mediante el conveniente reenvío a todos los contactos.

El caso más famoso proviene de una historia popular convertida en cadena que suele servir de ejemplo en clases de marketing en todo el mundo y que un joven mexicano adaptó atribuyéndose la autoría en los créditos: “escrita, dirigida y producida por Alonso Álvarez Barreda” . Posteriormente, ante el revuelo que causó la noticia de que el corto ganador del festival de Cannes 2008 era un plagio, él alegó que desconocía el protocolo y que se refería a que había escrito la adaptación, a nivel de planos y estructura de la historia, pero que en ningún momento había promulgado que fuese una idea original suya, además de comparar erróneamente su caso con las múltiples adaptaciones de obras clásicas como Hamlet, en las que si se incluye a Shakespeare en los créditos. Sin querer hacer más leña del árbol caído, me parece necesario señalar que la magnífica banda sonora de este corto, que no aparece en los créditos, fue tomada prestada de la película “El cartero y Pablo Neruda”.



Años antes pudimos disfrutar de este “diminuto” presentado a NOTODOFILMFEST en su sección de 30 segundos o menos, también inspirado en la misma historia.

Para terminar les dejo con este divertido corto que traslada al ámbito cinematográfico un monólogo de Pablo Motos, aunque esta vez sí, adecuadamente, incluyen al humorista en los créditos, si bien en mi opinión un “basado en la anécdota de” no es suficiente cuando el texto es en muchas partes copiado literalmente.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Corto y Cuento sobre Baco y Ariadna

Con el corto de esta semana, que llega con un día de retraso, me gustaría cumplir varios deseos. Por un lado quisiera recordar mi etapa en Londres, y sobre todo esos habituales paseos por la National Gallery que tanto echo de menos; también comentar mi opinión acerca de la entrevista de elpais.com al director del mencionado museo; aportar algo a la sección de Arte del blog y seguir ampliando la de mitología; y finalmente, ya que tengo el compromiso de compartir un corto con ustedes, mostrar una animación de Claudia Walde y Glen Porter de poco más de un minuto.

El día 11 de Junio de este año, Nicholas Penny dedicaba un poco de su tiempo a Anatxu Zabalbeascoa, para el país. De entre las respuestas del actual director de la National Gallery se puede crear un interesante debate sobre el papel de los museos; la atribución de obras de arte, algo que tras el comunicado de que “El coloso” no es un Goya se ha convertido en un tema de actualidad; el acercamiento a la obra artística o el papel de la juventud en los “templos del arte”.

En general estoy de acuerdo con su opinión, aunque difiero acerca del patrón que otorga a los jóvenes y su desinterés hacia un colectivo social al que define de “elitista” en una actitud que se aleja tal vez de la que los propios fundadores y benefactores de uno de los mejores museos de Europa han tenido siempre.

La National Gallery de Londres es un museo especial. Quizás no tenga el fondo del Prado, ni la fama del Louvre, pero posee varios encantos que hacen que viajar a la capital británica y no visitarlo sea un grave error:

- Es un museo gratuito, lo ha sido desde el día de su apertura y sólo se pide una donación voluntaria en huchas dispuestas para tal uso en su entrada. Esto facilita la posibilidad de asistir muchas veces aunque sea sólo por unos minutos o a disfrutar tan sólo de una sala o una obra. Si nunca se ha cobrado es, además, porque al reunir sus obras para ser expuestas al público, los ilustrados que lo fundaron dejaron claro su propósito de posibilitar el acceso al arte a todos los ciudadanos, sin importar su clase social o situación económica.

- La disposición de los cuadros del Museo, una tarea de una dificultad inmensa, ha sido realizada con suma habilidad, posibilitando que se observe la evolución de la Historia del Arte fácilmente si se accede por la Sainsbury Wing.

- Sin ser el santuario de Velázquez como lo sería el Prado posee “La Venus del Espejo”, sin ser el Museo Van Gogh de Ámsterdam, muestra una versión de “los Girasoles”, y además obras cumbre de Van Eyck, Bermejo, Ucello, Piero Della Francesca, Leonardo, Tiziano, Rubens, Rembrandt, Luca Giordano, Turner, Seurat, Monet, Manet y larguísimo etcétera,…

- También gratuitamente, existe una guía que se encarga de comentar dos veces al día en inglés algunos cuadros para los que asistan a determinadas horas y dos sala de ordenadores donde observar el catálogo de la exposición permanente con explicaciones y elementos multimedia que aseguran que la experiencia será sumamente educativa.

Pero nada podría publicitar mejor la galería que la observación de sus obras, para lo cuál me gustaría comentar el Baco y Ariadna de Tiziano, sin duda uno de mis favoritos, tal como lo solía hacer cuando me acompañaban al museo algunos de los lectores del Arca de Sofía.



La Historia de Baco y Ariadna conoce múltiples versiones. Fue narrada por Homero, por Hesíodo, por Ovidio en “Las Metamorfosis”, fue el tema de un poema de Nietzsche y una ópera de Richard Strauss entre otras versiones. Como en muchos mitos, a veces unas versiones contradicen a otras. A mí me gusta recordarla casi a modo de cuento, y para eso he preparado este archivo de audio con música del grupo Virgen Steele. Les recomiendo visiten este enlace a la web de la National Gallery para observar la obra de arte de Tiziano mientras escuchan la narración y me disculpo por no incluir el comentario artístico, que podría ser tanto o más interesante que la narración del mito.

Baco y Ariadna.mp3 - Tantalo

Este es el contexto, que creo que era necesario recordar para entender la obra de Claudia Walde. Espero que les guste esta interesante animación que cumple a la perfección con el interés mostrado por el museo en su campaña “cada cuadro encierra una historia”.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Nasija, de Guillermo Ríos

Hace un par de meses, tal como me comentaba Queen Galadriel, hubo en la Casa África de Las Palmas de Gran Canaria, una conferencia acerca del cine del continente en el que tuvo lugar el origen de la especie humana. Los datos que se manejaron eran optimistas, pero demostraban un atraso considerable con respecto al resto del mundo, algo que puede parecer lógico si tenemos en cuenta la situación económica y social de la franja subsahariana de esa región de nuestro planeta, pero requiere un profundo análisis al observar que otras naciones con similares coyunturas han mantenido una interesante y fecunda producción. Podemos decir por tanto que ha habido, en los más de cien años de Historia del séptimo arte, muy pocas realizaciones que sean fruto al 100% del trabajo de habitantes de esta zona del mundo, y eso es algo que llama la atención si lo comparamos con la industria de India, un país con grandes diferencias económicas y una población mayoritariamente pobre, pero que mueve cifras multimillonarias en el séptimo arte o la de Irán, que con una considerable represión, cuenta con algunos directores de fama mundial.

En aquella conferencia se nombró algunos cortometrajes entre los que destacaba Borom Sarret, el cuál quise mostrar en este espacio, pero al sólo encontrarlo en su idioma original con subtítulos en inglés, desistí.

Sin embargo, un tiempo después, recibí por parte de Luis León Barreto una cadena de emails en la que se recomendaba un cortometraje de producción canaria, sobre la situación de la mujer en la llamada “África Negra” y pensé que podía encarnar esta sección y a la vez servir de conducto para el debate sobre la cinematografía de un continente separado de la vieja Europa por sólo 14 kilómetros pero muy distante en cuanto a sus costumbres.

“Nasija”


Este trabajo de Guillermo Ríos, tal como él mismo indica, surge de la necesidad de comunicar y denunciar casos que suceden con demasiada frecuencia y que subyugan la figura femenina a la masculina. La repercusión mediática del caso de Safiya Husseini, en 2002 fue, según una entrevista del director, el detonante necesario para que Nasija surgiese y aunque su intención era denunciar la pena de muerte en sí, este corto se erigió en un representante de los Derechos Inalienables de la Mujer. Cuatro años más tarde la familia Ríos recogía multitud de premios en distintos certámenes, entre los que destaca el del 22º Festival Internacional de Cortometrajes de Berlín, por un trabajo no exento ni de dulzura ni de dureza y dramatismo.

Lo único que añadiría a esta reivindicación de la igualdad entre géneros, es la necesidad de ejercerla de un modo integral, sin descansar en la barbarie de otros lugares, pensando que somos más civilizados, ya que no considero que nuestros sermones puedan tener mucha validez cuando en lo que llevamos de año se investiga lo que puede ser el vigésimo sexto asesinato de una pareja o ex pareja por parte del otro miembro. Por supuesto que aquí no lapidamos a nadie y la pena de muerte fue abolida con la constitución del ‘78 (no hace tanto, ¡eh!), pero sigue habiendo violencia de género, abuso infantil, violaciones, asesinatos y a tenor de la importancia que los medios y el gobierno le dan, quizás el peor de todos los males: piratería informática. Pero, como decía el genial Michael Ende, ésa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Cortos de Daniel Sánchez Arévalo

A aquellos que lleven siguiendo esta sección de cortometrajes de los viernes desde hace algún tiempo, quizás les produjese una cierta sensación de Deja Vu el apellido Arévalo relacionado con AzulOscuroCasiNegro. Sin embargo, no se trataba de un reciclaje de artículos ni de una especial obsesión con un determinado cineasta, ya que hablaba de Raúl Arévalo, actor del mencionado film y no de Daniel Sánchez Arévalo, que dirigió esa película, y al que le dediqué unas pocas líneas hace algún tiempo con motivo del corto de Cobeaga sobre el malgasto de agua.

Esos pensamientos me llevaron a decidir que esta semana intentaría ahondar un poco más en la obra de Daniel, aprovechando la coyuntura para recordarles que mañana abre sus puertas al público la Exposición Internacional Zaragoza 2008, un evento que está llamado a concienciar a la sociedad sobre la importancia del agua y que promete ser espectacular y muy beneficioso para esta ciudad en la que actualmente vivo.

Por otra parte, dejando a un lado la interesantísima obra de Sánchez Arévalo para el certamen N_ature Movies, en la que se incentivaba la adaptación de los directores a la falta de medios, obligándoles a filmar con un teléfono móvil; podría aprovechar este momento para felicitar a los aficionados del Real Madrid, que acaban de ganar su segunda liga consecutiva gracias a un esfuerzo considerable y que aparecen reflejados en el cortometraje que hizo que, en el 2002, este director de la capital española ganase el premio del jurado y del público en la segunda edición del certamen NOTODOFILMFEST.

¡Gol! es un cortometraje sencillo, diría que sin demasiadas aspiraciones. Una especie de parodia humorística de la sociedad que pretende divertir más que otra cosa. Con esas armas parecería difícil obtener el éxito, pero Sánchez Arévalo lo consigue mediante un inteligente uso de la cámara y la arriesgada apuesta que supone reflejar un tema de vívidas pasiones como es, en nuestro país, el fútbol.

Como contexto, que tal vez sea necesario explicar para entender el cortometraje, hubo una semifinal de Champions League 2001 – 2002 cuya ida se jugó en el Camp Nou entre el F.C. Barcelona y el Real Madrid. Dos años atrás el equipo catalán había sido eliminado por el Valencia también a un paso de la gran final, y para colmo el máximo rival había alzado el trofeo aquel año tras vapulear a los levantinos. Con esos antecedentes, y con la euforia contenida de todo el país, el partido del 2002 comenzó con un público entregado y un Real Madrid que veía llegar a los culés con facilidad, dominando el partido y creando ocasiones hasta que…



Como quienes me conocen pueden prever, este no es precisamente mi corto favorito, y es esa la razón por la que, sentando ya unos precedentes peligrosos, en lugar de conformarme sólo con ese trabajo de Sánchez Arévalo, les recomendaré también aquel que hizo para N_ature Movies, hecho con bastante más presupuesto y quizás con más pericia e intenciones narrativas:

El amor existe porque el tiempo se agota

Y sobre todo, por aquello de que no hay dos sin tres, este otro, con el que vuelvo sobre el tema de las drogas y que significó el segundo premio consecutivo para Sánchez Arévalo, en el año 2003, denominado Exprés y que usando la técnica que decía yo que Méliès descubrió casi por casualidad revolucionando el cine, nos muestra terribles imágenes que se vuelven reales con el consumo de drogas.



Y, tirando ya la casa por la ventana e intentando dejar un mejor sabor de boca, voy a incluir para finalizar un corto de la edición del 2006 denominado “Pene” y que me parece con mucho el más divertido de todos, haciendo para colmo un uso de la ironía y del ingenio, sin necesidad de recursos, tan grande, que al menos a mí me hacen reverenciar la exponencial mejoría que fue adquiriendo este autor en lo que a cortometrajes se refiere.

Con una banda sonora además muy bien elegida, que incluye al menos “Brothers in Arms” de Dire Straits, la BSO “American Beauty” y la de “La Vida es Bella”, el corto contiene ciertas referencias al cine y algunas frases en mi opinión geniales como “Por eso cuando el País semanal saca un especial que oficializó el cambio de actitud de los españoles…”

Bueno, les dejo con el corto, que se disfruta mucho más si lo cuenta la voz en off de Daniel Sánchez Arévalo en vez de mi prosa.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Tres cortos sobre las relaciones de pareja

Inspirado por el artículo de Luis León Barreto titulado “Parejas Rotas”, y con la intención de volver al enfoque más tradicional y no por eso menos innovador de cortometrajes con el que comencé esta sección hace ya algunos meses, me he decidido a recomendarles un actor y director novel llamado Raúl Arévalo, cuya carrera interpretativa destaca por AzulOscuroCasiNegro, Siete mesas de Billar Francés y El Camino de los Ingleses, además de por haber participado puntualmente en diversas series como Aída, Cuéntame como pasó o Compañeros.

Entre sus trabajos tras las cámaras destacan algunos cortos presentados al NOTODOFILMFEST, donde obtuvo cierto reconocimiento en las dos últimas ediciones.

“Un Amor”, el presentado este año, es una historia corriente, de dos personas que se quieren y se compenetran, pero que acaba como muchas veces terminan las relaciones, sin que se sepa por qué o sin que se pueda evitar. Rodado con cierta pericia y sin necesidad de demasiados gastos llega al corazón mediante su enfoque y su estética cotidiana. Es un relato para que el espectador se sienta identificado y quizás incluso juegue con esa circunstancia para conseguir que los, de otro modo demasiado sensibleros, diálogos no causen empalago. A su vez, este es un reclamo para todos aquellos que piensan que realizar un corto es una entelequia por la necesidad de medios económicos y por el complejo proceso que implica un rodaje. Raúl Arévalo consigue conmover con 22 planos en poco más de 2 minutos, rodando en casa de unos amigos…



Foigrás es otra manera de entender las rupturas. Es una historia impactante, que hay que ver prestando mucha atención a los detalles y a las características de cada personaje. En comparación con “Un Amor” este corto, presentado a la edición del año pasado del festival nombrado anteriormente, es más complejo y quizás también más rico en matices. Sin embargo sigue poseyendo ese espíritu de conquista de la técnica mediante el talento y de superación de los obstáculos mediante planteamientos inteligentes.



Para terminar, y acogiéndome al dicho de “no hay dos sin tres” y de paso intentando de alguna manera maquillar el hecho de que varios de los cortos de las últimas semana eran videos de disciplinas tangentes y no lo que algunos puristas considerarían un corto cinematográfico, quiero incluir un corto en el que actúa Nacho Vigalondo, aprovechando esa coyuntura para anunciar desde aquí que el estreno de su primer largometraje parece tener finalmente fecha, el 27 de junio. Bueno, eso si no se produce el enésimo cambio en estreno que tendrá lugar después de que los derechos para el remake fuesen vendidos hace ya meses a la productora de Tom Cruise, Cruise/Wagner Productions.

Este corto, que cierra la sección hasta la próxima semana, se titula “Te Quiero” y es un remake del trabajo del 2002 del mismo nombre que también dirigieron sus autores, Raúl Navarro y Alex Montoya. El motivo por el cual realizaron por segunda vez esta obra es la presentación a una campaña de cortometrajes para una compañía tabacalera, algo que demuestra poca entereza por parte de sus creadores o quizás demasiada necesidad. No estamos por tanto ante un caso de publicidad encubierta en sí, pero si es cierto que se creo bajo el auspicio de la publicidad, a pesar de todo este corto describe de un modo, en mi opinión muy interesante, las relaciones humanas.



¿Qué les parecen los cortos? ¿Qué opinan de la publicidad encubierta? ¿Es mejor el enfoque de algunos directores que inventan marcas para sus películas? ¿Debemos actuar como nos muestran en el primer corto o en el tercero? Estas y otras preguntas hallarán respuesta en el próximo episodio de… ENREDO

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Un corto friki: Neo VS Robocop

Tras dejar salir hace siete días la vertiente artística y culta con esos documentales sobre Christian Marclay, he decidido que esta semana me gustaría conmemorar que el pasado domingo fue el día del orgullo Friki dejando salir a flote mi vena más geek y de peculiares aficiones en general, con un corto realizado por un fan de algunas de mis “otras películas favoritas”.

Desde que el Adobe Premiere y otros programas de retoque de video se han popularizado y los ordenadores del usuario medio poseen los requisitos de memoria y procesador necesarios, ha comenzado a circular por la red una corriente de cortos que van desde un simple doblaje con vis cómica hasta verdaderos alardes de técnica que ya quisiera para sí el responsable del montaje de "Gladiator".

Las bondades de este tipo de software posibilitan además la creación de lo que se ha venido denominando fan-films, que a veces no superan la duración de un trailer o un teaser, pero que han llegado a servir a algunos talentos como medio para darse a conocer e incluso método de obtención de un contrato con alguna productora como es el caso de Miguel Mesas, que realizó algunas adaptaciones de cómic en este formato y próximamente se encargará de plasmar por primera vez una obra de Luis Royo en el séptimo arte.

De entre todos ellos, a pesar de la calidad dispar de unos y otros, me sorprendió especialmente este “Neo VS Robocop”, que aventaja en mucho a los efectos especiales mostrados en algunas superproducciones de hace tan sólo unos años y conjuga personajes clave en la ciencia ficción y la acción cinematográfica en 4 minutos que juegan a tratar de responder esas preguntas que nos hacíamos de niños sobre quien ganaría entre… y que las productoras han empezado a explotar hace poco con resultados mediocres y unos años antes pudimos disfrutar en el terreno de los videojuegos con auténticas joyas como “King Of Fighters”, “Capcom VS SNK” o “Capcom VS Marvel”.

Para terminar destacar que considero la primera parte de “The Matrix” una muy interesante película de acción que además de resultarme entretenida me parece que tiene muchos ingredientes para clásico del cine actual, como por ejemplo, la disyuntiva entre la píldora roja y la azul en nuestras vidas; los paralelismos con el cristianismo y ese Juan Bautista que es Morfeo, con María Magdalena, Judas y Jesús que viene a salvarnos; ese sentimiento de que creer en nuestras posibilidades nos hace más poderosos de lo que en principio pensamos que somos; el virus de la sociedad actual y por desgracia también un montón de anuncios, no demasiado encubiertos, de gafas, móviles e incluso pilas;…

En cuanto a “Robocop”, a pesar de que muchos amigos no comprendiesen que me gustase tanto esa obra de Paul Verhoeven y también otras películas como “Dogville”, “Ciudadano Kane”, “Yo confieso” o “Sólo se vive una vez”; quisiera recalcar algunas virtudes no ya en el terreno del entretenimiento y la habilidad narrativa, que por supuesto se le presupone a un producto de este tipo, sino en cuanto a la crítica política y social que se deja entrever a veces de un modo claro con menciones al Apart-Heid y la posibilidad del holocausto nuclear y otras más sutilmente como los lazos que unen el negocio del tráfico de drogas y la prostitución con ciudadanos poderosos de reputación intachable, mostrando además hace ya 21 años la cocaína como vicio snob.



En definitiva como ya se habrán hecho a la idea, junto a mi “lado clásico” también en mí hay un parte que grita “It’s only Freak and Rol… but I like it!”

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Christian Marclay, videoartista

Mientras, la semana pasada, navegaba por la web elpais.com buscando el corto narrado por Saramago, me tropecé con una artículo acerca de lo que se conoce como videoarte (visual art), una corriente que se caracteriza por la utilización de la cámara como medio de expresión artística. Ésta es, por ejemplo, la tendencia a la que se consagraba el personaje de Bebe en Caótica Ana de Julio Medem.

Al día siguiente, mientras comentaba con mi hermano Alfonso las secciones que estábamos tratando en el Arca de Sofía, él me recomendó dedicar un espacio a esa otra manera de entender los cortometrajes y a ser posible hacerlo mediante esas muestras de videoarte que se nutren del séptimo arte, tal como aquella comentada por Ángeles García que estaba conformada por fragmentos de besos de distintas películas. Entonces a mi mente vinieron dos recuerdos, por una parte la obra de Giuseppe Tornatore Cinema Paradiso y por otra la magnífica proyección de Christian Marclay que tuve el placer de disfrutar varias veces en la Tate Modern durante mi último año en Londres.

Marclay se define a si mismo como un músico sin estudios, un creador a medio camino entre ser Dj o “videoartista”. Para él la música es un ente vivo y escucharla simplemente sentados en un sillón mientras las notas inertes e inmutables brotan de nuestro equipo de sonido es en cierta manera una práctica necrófila. Él considera que la música debe poseer lo que erróneamente hemos considerado imperfecciones y ese es el motivo por el cuál a mediados de los ochenta vendía su disco sin portada ni protección alguna. Quería que desde el momento que salía de la fábrica motas de polvo, pequeñas ralladuras, e incluso algunos golpes hicieran que cada vinilo tuviese su propia identidad, de modo que no hubiese en el mundo dos discos suyos idénticos.

Entre sus creaciones más destacadas están “Telephone”, que aquellos que tanto se quejan de que Microsoft copia sus sistemas operativos plagiaron vulgarmente en un anuncio de su I-Phone, y que consistía en una sucesión de fragmentos de películas en las que suena el teléfono; “Record Players” en el que se hacía música mediante el uso poco ortodoxo de discos de vinilo; y el “Video Quartet” que como decía estuvo expuesto en numerosos museos de arte contemporáneo como por ejemplo la Tate Modern y del que sólo he podido conseguir en Internet tres fragmentos de poca calidad que ilustran sólo a medias el modo en que Marclay mezcló sonidos y piezas musicales de más de cien películas para que al proyectarse en cuatro pantallas simultáneamente podamos experimentar de un modo distinto el disfrute de la música y el cine.

Antes de despedirme recomendándoles que vean los fragmentos de Video Quartet y un par de documentales en inglés acerca de este autor californiano nacido en 1955, quisiera preguntar a los espectadores su opinión acerca de esta manera de entender el arte y sobre todo si merece la pena de vez en cuando alejarse del cortometraje más tradicional y echar una mirada a esta otra tendencia. ¿Qué me dicen?

Video Quartet




Documentales sobre Christian Marclay




Autor: Roberto Samper

Leer más...

La Flor más grande del Mundo

A veces nos suceden cosas que no podemos explicar convincentemente, situaciones que escapan a nuestro control con las que estamos acostumbrados a convivir. Es lo que llamamos “casualidades”, algo que el diccionario de la Real Academia de la Lengua define como “Combinación de circunstancias que no se pueden prever ni evitar”.
Cuando hace tres meses recomendé a las 7:35 de la mañana de Nacho Vigalondo se me ocurrió que podía ser una buena idea dedicar un pequeño espacio a esos “perfumes en frascos pequeños” que son los cortometrajes, esa faceta del cine para la que no suele haber portadas de revistas ni programas especiales televisivos, pero que a menudo son los primeros pasos en exitosas carreras cinematográficas por parte de autores a los que les sobra el talento pero les falta financiación.

Lo que no podía prever ni evitar es que, un mes y medio más tarde, la víspera de mi homenaje a Tenerife con el corto de Fresnadillo, elpais.com comenzase también una sección con la misma temática. Ante eso quizás cabía pensar en retirarse y conformarse con un pequeño enlace a la web de ese periódico, que para colmo es una de las 25 páginas más visitadas de España, máxime al enterarme de que habían decidido mostrar sus cortos los jueves. Pero a pesar de que efectivamente eso hubiese sido lo más cabal, como diría Edward Bloom, yo nunca he sido un hombre cabal, por lo que sigo aquí, intentado además que me sirva de motivación y aprovechando para recomendar los que mejor impresión me causen como es el caso de “La flor más grande del mundo” el primer trabajo mostrado allí y que, aunque no “fruto de la casualidad” sino del esfuerzo y buen hacer de sus músicos, se sustenta firmemente en una hermosa banda sonora interpretada por la Orquesta Sinfónica de Tenerife.

Sirva además como cambio de registro, pues será la primera recomendación filmada en su totalidad con la técnica conocida como Stop Motion, que tan buenos resultados dio a los creadores de King Kong y que Ray Harrihausen elevó a la categoría de arte entre otras con sus adaptaciones de los clásicos griegos. Pero esa técnica, que cuenta con muchísimos especialistas en España, no está usada aquí al servicio de monstruos ni criaturas fantásticas sino que por el contrario sirve de soporte a un texto y una narración de José Saramago, sobre la magia de la naturaleza y la imaginación, el respeto a la vida de todas las criaturas y el disfrute de nuestro mundo ahora que aún podemos.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Paraísos Artificiales, Achero Mañas

La reflexión acerca del consumo de cocaína que hizo ayer Luis León Barreto hizo que cambiase mis planes con respecto al corto de esta semana, decidiéndome por otra recomendación de Rodrigo, el trabajo de Achero Mañas “Paraísos artificiales”, que recorre durante algo más de 15 minutos las distintas adicciones por las que pasa un joven aficionado a buscar la felicidad por medio de las drogas.

Achero Mañas, director y guionista que alcanzó la fama con, su primer largometraje, “El Bola”, ha escrito y dirigido también otros dos films como son “Noviembre” y “Blackwhite”, aunque este último ha pasado bastante desapercibido en general. Su éxito radica en su tratamiento de la temática social, sin huir del dolor pero sin tampoco regocijarse en él. “Paraísos artificiales” no hace apología del consumo ni mucho menos, pero tampoco se ensaña en una crítica feroz, sólo nos muestra efectos de la drogadicción, de modo que el espectador, al que se le presupone madurez y juicio, valore por sí mismo. Sin moralinas que puedan hacer saltar el resorte de la rebeldía en los adolescentes, pero tampoco carente de unas gotas de fatalismo, por otra parte quizás necesario.

España, tal como resaltaba Luis, al parecer, a pesar de la escasa fiabilidad de la estadística como Ciencia y de la encuesta como método de obtención de datos, es el país europeo con mayor índice de consumidores de Cocaína. Sin embargo, todos estos resultados incluidos en este estudio del Observatorio Europeo de las Drogas y Toxicomanías, traslucen a mi parecer una realidad que hace reflexionar acerca del tratamiento que la sociedad hace de las drogas.

Por una parte tenemos esa hipocresía que supone el doble rasero drogas legales e ilegales: ¿a quién se le ocurre quejarse porque Woody Allen considere en sus películas necesario el consumo de “drogas con receta” para paliar sus inseguridades? ¿no son acaso también adictivos, perniciosos y por así decirlo “zombificadores” los tranquilizantes, los ansiolíticos y toda esa caterva de medicamentos que compulsivamente consumía e intercambiaba con Diane Keaton en “Sueños de un Seductor”? ¿No sufre nuestra sociedad de un “síndrome del farmacéutico en casa” que lleva a que cada uno se considere una institución en la ciencia de los boticarios?

Peor aún es la situación con respecto al tabaco y al alcohol. Con los datos en la mano, las drogas ilegales causan una media anual de entre 7000 y 8000 muertos en Europa. Sólo en Alemania mueren al año con el alcohol como causa directa 40000 personas y el tabaco da lugar a la friolera de 140000 alemanes muertos en el mismo período. Sin embargo estas drogas están permitidas y su tráfico es perfectamente legal.

Por otro lado está la presunción de que si se legalizase un mayor número de sustancias, se lanzaría a la sociedad el mensaje de que consumirlas es algo “normal” y por tanto la cantidad de adictos de nuestra sociedad se vería drásticamente incrementada, algo que los datos recogidos en el anterior estudio parece desmentir, puesto que Holanda no es precisamente un país que considere los estupefacientes como uno de sus mayores problemas a pesar de que no sólo es legal allí el consumo de marihuana, hachís y hongos, sino que además es un reclamo turístico, lo que posibilita que esa nación sea la primera del mundo en inversión para la concienciación de sus ciudadanos acerca de los peligros de las drogas y por tanto en ella se practique un consumo bastante más responsable.

Sin quererlo mi opinión ha acabado sonando un poco a mitin pro-legalización. Si bien esa es mi postura, sólo querría abrir una nueva vía, intentar crear un debate al respecto, en el que se considere la inutilidad de la postura paternalista que supone la prohibición de algunas drogas considerablemente menos nocivas que las actualmente legales, sin ignorar por supuesto, los perjuicios que conlleva su consumo. Sólo añadir una pregunta y un axioma:

¿Queremos que nuestro gobierno nos dicte qué consumir o qué hacer o qué leer o pensamos que tenemos la suficiente madurez para dejar de lado paternalismos represores?

Debemos dejar a un lado la inútil lucha contra las drogas mediante la persecución legal y centrarnos en la concienciación de la población para un consumo responsable, lo cuál con ingresos fiscales indirectos por la venta de sustancias sería mucho más rentable y factible.

Sin más, espero que mi opinión no resulte indigesta a la hora de disfrutar este “Paraísos Artificiales”.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

Manolito Espinberg, une vie de cinéma

Hace un par de semanas me recomendaron un trabajo que entre otros ganó el Premio del Jurado Fotogramas en Corto. Se trata de Manolito Espinberg, un documental ficticio en la línea del Zellig de Woody Allen, en el que sus creadores, Miguel C. Rodríguez y Luis Francisco Pérez, estuvieron inmersos durante gran parte del proceso de gestación de la obra, encargándose de la producción, la dirección, el guión, el montaje,…
El resultado, cargado de humor y quizás alguna ironía acerca de la crítica cinematográfica, son 12 minutos de ver para creer.



Más información acerca de este cortometraje y del colectivo Ático disponible tanto en la web oficial como en su blog. Si te ha gustado este corto aquí tienes otro de los mismos autores.

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Lo que tú quieras oír, Guillermo Zapata

En muchas ocasiones hemos oído que un video es el más visto en Youtube, o en Internet en general. La mayor parte de las veces no es verdad, o simplemente se malinterpreta información o se confunden con el más exitoso de la semana, del mes, o tan sólo uno con un alto número de visitas. En este caso sin embargo, como se puede comprobar siguiendo este link, se puede afirmar sin temor a dudas que, a día de hoy, este cortometraje español es el tercero en el ranking general de Youtube de los más vistos de todos los tiempos.

Si tenemos en cuenta que los otros componentes del podio son una actuación cómica acerca de la evolución del baile y un videoclip de Avril Lavigne, podemos inferir sin temor a equivocarnos que “Lo que tú quieras oír” es el cortometraje cuya página ha sido más veces cargada de entre todos los de la mencionada web. Hago el matiz “páginas cargadas” y no descargas o visitantes o ni tan siquiera veces que ha sido visto porque muy probablemente, una de las razones por las cuáles esta, por otra parte interesante obra de Guillermo Zapata, ha tenido tanta repercusión radique en la “casualidad” de que al introducir en Google “You tube” como palabras clave la segunda entrada, con un atrayente fotograma y cuatro estrellas, es precisamente el video del que hablamos hoy.

Sin embargo, en lugar de divagar ahora acerca de la justicia o no de tan alto honor, quisiera ahorrarles ese vano debate y centrarme en lo más importante, los siete minutos y medio que dura este peculiar trabajo de uno de los guionistas de la serie “Hospital Central”.



Lo que tú quieras oír” es una historia sin pretensiones, una anécdota, casi podríamos decir un estado de ánimo llevado al cine. Filmado con cierta pericia, e interpretado de un modo convincente por Fátima Baeza, narra sin demasiado efectismo los distintos estados de ánimo tras una ruptura sentimental.

Algunos planos destacan como ese marco vacío o ese contestador automático que refleja la preocupación de nuestra protagonista. También el montaje, sobre todo el sonoro es interesante, y se debe reconocer esa habilidad, que llevo semanas reivindicando, necesaria para conseguir que un corto con el mínimo presupuesto sea capaz de sorprender o al menos comunicar algo a sus espectadores.

Este es además un ejercicio de esperanza, una mirada atrás más que una vivencia en si misma, puesto que el director no ahonda en la depresión con la dureza que cabía esperar, sino que por el contrario prefiere relatarla como si ya hubiese sido filtrada por nuestros recuerdos, reflejando más el poder de superación de la protagonista que ese hundimiento que nos hace imaginar la voz de su amiga al otro lado del agorero contestador.

Valorar la originalidad de la obra es ya un poco más difícil, a muchos les recordará a "Misterioso Asesinato en Manhattan" o simplemente la idea no les resulte netamente genuina, pero después todo, si Tarantino se ha hecho famoso, que más da que Guillermo Zapata busque también inspiración de otros al realizar su ópera prima.

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Eveready Buried Treasure, un Corto de animación porno de los años 20

Para el corto de esta semana he decidido cambiar un poco de registro, darle algo de brío a la sección de Sexualidad y Erotismo que hasta ayer parecía un poco abandonada, explicar el por qué de su icono en la columna de la izquierda, promocionar nuestra nueva sección de consejos diarios para una mejor vida sexual, también en la columna izquierda, e intentar mostrar otra vertiente del mundo de los cortometrajes, la animación, todo ello mediante sólo un video.

Se trata de “Eveready harton in Buried Treasure” también conocido simplemente como “Buried Treasure”, un film realizado en 1929 por tres estudios diferentes que, hasta el 2002 estuvo perdido en la memoria de sólo unos pocos afortunados que tuvieron la suerte de verlo en su momento o en esporádicas proyecciones de pornografía de época que tuviesen lugar en ferias o eventos similares.

Pero, tal como decía, 2002 fue el año de la resurrección de Eveready, ya que una colección de pornografía de entre 1905 y 1930, compuesta por múltiples fragmentos de cine mudo, conocida como “The good old naughty days” (nótese que el adjetivo naughty de significado travieso, es usado muy a menudo en rituales de sadomasoquismo o fantasías de dominación: “you have been naughty so now I’m going to have to punish you!”… yo mismo me pregunto de dónde he sacado este tipo de información…).

Lo cierto es que el mencionado recopilatorio de escenas pornográficas de comienzos del siglo XX fue un éxito y llegó a ser proyectado en cines británicos con la categorización “no recomendada a menores de 18 años”, lo cuál llama un poco la atención tratándose de pornografía, para la cuál existe una categoría propia: “película clasificada X”.

El DVD, disponible a la venta si alguien quiere observarlo con más detenimiento, ha sido publicado en España con el nombre “Golfos y picardías de antaño”, distribuido por Filmax y fácilmente adquirible en Internet. Son, quizás no fruto del azar, 69 minutos de imágenes de archivo, incluyendo una adaptación de Madame Butterfly, y algunas otros arquetipos, y tendencias sexuales varias entre las que se incluye la zoofilia. Eso sí, al menos en lo que respecta al corto que vamos a ver, que como debe haber quedado claro por lo anteriormente expuesto, no es recomendado para menores de 18 años, su valor se encuadra quizás más en lo que a un documento erótico o de interés cultural se refiere y su valor con fines masturbatorios probablemente sea algo escaso.

Sin más dilación les dejo con las aventuras de Eveready, un tesoro que, una vez desenterrado, pensé que merecía la pena guardar en el Arca.



Como última nota quisiera “traducir” un detalle: tras copular con la chica del video Eveready huye despavorido al ver que un cangrejo le pellizca el pene. Esto de apariencia tan surrealista para los hispanohablantes, no es más que una metáfora visual bastante simple para los ingleses, puesto que ladillas en inglés se dice “crabs”, la misma palabra que usan para denominar a los mencionados crustáceos marinos. ¿Debemos por tanto considerar esto como una advertencia, o una cierta moraleja acerca de la posibilidad de contraer enfermedades de transmisión sexual al no practicar el sexo seguro?

Autor: Roberto Samper

Leer más...

Allanamiento de Morada, Mateo Gil

En 1996 se estrenaba una película de un director novel que se convirtió en poco tiempo en una de las más refrescantes creaciones del cine español. La mayor parte de los méritos fueron para el “nuevo Hitchcock” que aparecía en los créditos como guionista, director, y compositor de la banda sonora; y también sirvió de trampolín para dos actores: Eduardo Noriega y Fele Martínez.
Sin embargo ni Tesis, ni la posterior Abre los ojos, fueron únicamente escritas por Alejandro Amenábar; para ambas contó con la colaboración de Mateo Gil, un guionista y director de cine que debutaría años después con la irregular Nadie Conoce a Nadie.

Esta semana, en la sección de cortos, me gustaría que viésemos el trabajo que Mateo Gil realizaría poco después del estreno de Abre los Ojos, un corto de 16 minutos llamado Allanamiento de Morada que supone en cierto modo una contraposición al “La Última vez” de la semana pasada, pues si bien en aquél sólo se pronunciaba una frase, el registro de hoy está basado en el diálogo como motor de la acción, un cortometraje en la línea de las representaciones teatrales, donde la cámara es sólo un testigo de la situación que está teniendo lugar.
Espero que lo disfruten.



Autor: Roberto Samper

Leer más...

La última vez, de Jorge Amaya

El CECC (Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña) lleva 23 años impartiendo cursos tanto de Dirección Cinematográfica, como de Montaje y Sonido, de Operador de cámara, de Dirección de Fotografía e incluso de Interpretación.
Esta formación es la que ha permitido a un grupo de alumnos dirigidos por Jorge Amaya, realizar el cortometraje que les muestro a continuación, que el propio operador de cámara, Daniel Urrutia, puso al alcance de todos en un gesto que muchos de los actuales cineastas consagrados de España deberían tener en consideración.


La última vez es un trabajo que merece la pena ver en más de una ocasión, ya que no es común observar tal lujo de detalles en tan poco tiempo, sean estos reflejos en las ventanas y planos a través de los espejos, alardes de maquillaje, interesantes efectos de montaje, como el de mostrar la foto mediante una técnica similar al “deja vu”, y algún que otro truco de guión para el que hay que estar muy atento. A todas estas virtudes habría que sumarle una característica que puede pasar desapercibida, durante toda la duración de este film sólo se pronuncia una frase, el resto del sonido lo componen una banda sonora original interesante, efectos lo suficientemente logrados como para pasar desapercibidos y el bésame mucho cantado por la actriz principal y por "La Coartada".

Mi enhorabuena a los creadores de esta obra y toda la suerte del mundo en los próximos proyectos que acometan.

Autor: Roberto Samper

Leer más...

"Esposados" de Juan Carlos Fresnadillo

Tal como había prometido la semana pasada, como granito de arena para acabar con un pleito insular al que no acabo de verle el sentido, esta semana el corto de los viernes es de un director tinerfeño, Juan Carlos Fresnadillo. Aunque lo cierto es que su procedencia es lo de menos, ya que lo que importa es la calidad que atesora tanto como guionista como detrás de las cámaras, por encima de si nació en una nación u otra, pues al fin y al cabo los países no son más que convencionalismos y el lugar de nacimiento no deja de ser la primera de las casualidades de nuestras vidas.

El trabajo en cuestión, "Esposados", es el primero de los pocos pasos que Fresnadillo ha dado en el cine. Parece que quisiese pensarlo todo muchísimo antes de arriesgarse a cometer un error, o que pretendiese librarse de esa fama que le otorgó este inteligente relato y, sabedor de la poca memoria de los medios, esperase siempre a que las aguas volviesen a su cauce antes de emprender una nueva aventura.


Su carrera a lo largo de más de una década, está compuesta tan sólo por esta ópera prima que les presento, que le proporcionó una nominación al Óscar y al Goya; su primer largometraje, "Intacto", que a pesar de que rebosa frescura y buenas intenciones carece de ese toque final que convierte en imprescindibles a las obras maestras; un brevísimo trabajo con Alejandro Jodorowski llamado "Psicotaxi", en el que excepcionalmente sólo colabora como director en lugar de también ser el guionista, es probablemente la menos brillante de sus obras; y finalmente, "28 semanas después" en la que tuvo el honor de ponerse en la piel de Danny Boyle para dirigir la secuela de la película de zombies del director británico, también de un éxito relativo que probablemente no se adecue a las expectativas que creó "Esposados".

Este es un corto con algunos toques surrealistas e influencias de obras como "Un Perro Andaluz", donde prima por encima de todo un, al principio sutil, humor negro, que se apodera del espectador en sus minutos finales.

Autor: Roberto Samper

Leer más...